me he decidido a hacer este blog depues de el cierre por el FBI de megaupload.para hacer de eco de esos blogs que han puesto en libre conocimiento de todos joyas de la musica que sin este medio no conoceriamos.puesto que internet tal y como lo conocemos parece que esta apunto de desaparecer y antes de la llegada de internet 2.0 se difundan estas obras que no encontraras jamas en tu tienda de discos.
Los Viletones son una de las bandas de punk rock de la primera generación de Toronto Canadá , dirigido por Steven Leckie en la voz .Otros miembros de la formación original eran Freddie Pompeya, (él lista de algunas fuentes como 'Frederick DiPasquale') en guitarra / voz; Chris odio (Chris Paputts), en guitarra bajo / voz y Mike Anderson, n.1955 - d.2012 en los tambores . / Voz La formación original estubo activa desde 1976 hasta 1977, y posteriormente contó con Steven Leckie como el único miembro original con varios músicos de apoyo.
Pese a su corta existencia y poca produccion son consideradas una de las mejores y mas influyentes bandas de punk en Canada.
Aqui tenemos el primer encuetro firme entre el rock y el flamenco , un disco adelantado a su tiempo , grabado en 1966 aunque no se publico asta 1970.
La impresion que siempre me deja este disco es de ser un disco mas reciente y no del ya lejano 1966, Disco sin desperdicio en el que todas las composiciones merecen la pena.
Disco tambien de gran influencia para los que serian los grupos que originaron el rock andaluz.
El flamenco Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad
Vamos hacer un pequeño repaso de la utilización del flamenco en el rock y la evolución de propio flamenco.
El primer grupo en utilizar el flamenco son los brincos con su flamenco en 1964 , visión del flamenco por unos jovenes que no participaban del mundo flamenco .
1964 - Los Brincos "Flamenco"
En 1966 se produce el disco revolucionario , que si bien no influyo directamente a grupos en un principio si influencio a productores que luego buscaron ese sonido fundamentalmente en lo que se llamaria rock andaluz. Este disco es el "Rock Encounter" del gran Sabicas y Joe Beck..
El disco se publico en 1970.
1966 - Sabicas & Joe Beck "Rock Encouter"
En 1966 Roy Clark publica su single "Malaguena" que en realidad es el sexto movimiento de la suit Andaluza de Ernesto Lecuona de 1928.
Malagueñas con guitarra electrica.
1966 Roy Clarck "Malagueña"
En 1968 el grupo Estadounidense Love utilizan toques flamencos anglilizados para su famoso "Alone again" or de su disco "forever changes"
" Alone Again Or " es una canción grabada originalmente en 1967 por el grupo de rock Amor y escrita por el miembro de la banda Bryan MacLean . Aparece en el álbum Forever Changes enero de 1968 , y fue lanzado como single en los EE.UU., Reino Unido, Australia, Francia y los Países Bajos.
1968 Love "Alone again or"
En 1968 The Doors Spanish Caravan ("Caravana española") es una canción incluida en el álbum Waiting for the Sun publicado en 1968, siendo la primera pista del lado B.
Es una de las piezas más barrocas y particulares de la banda, compuesta en uno de los momentos más creativos de sus miembros. En esencia, consta de una pista básica de flamenco, conocida popularmente como "Granadinas", con ritmo a dos tiempos.
La canción es liderada por el virtuosismo en la guitarra acústica de Robby Krieger. El riff inicial fue tomado de "Asturias (Leyenda)", una pieza clásica de la música del compositor español Isaac Albéniz (1860-1909). También toma prestado un riff que suena similar al de Malagueña.
En 1972, fue incluida en el segundo recopilatio de la banda Weird Scenes Inside The Gold Mine.
1969 The Doors "Spanish Caravan"
"A Spanish Piece" es la duodécima canción del álbum de 1969 de Pink Floyd, Music from the Film More. De solo 1 minuto, 4 segundos, A Spanish Piece es un instrumental que usa una falseta característica del flamenco, acompañada por algunos canturreos y vocalizaciones de David Gilmour acentuados cómicamente, en los que se le puede oír coqueteando borracho con una chica, amenazando a alguien y susurrando "Pass the tequila, Manuel" (del inglés, "Pásame el tequila, Manuel") 1969 Pink Floyd "spanish teme"
En 1971 Sabicas publica "The Soul Of Flamenco And The Essence Of Rock" LP rompedor de Flamenco rock instrumental, psicodélico y progresivo. 1971 Sabicas "The Soul Of Flamenco And The Essence Of Rock"
En 1971 Smash lanza su primer LP y su gran hit El garrotin ,da comienzo lo que se llamara Rock andaluz 1971 Smash "El garrotin"
CONTINUARA.........
En esta lista no he puesto al gran Pedro Iturralde que en 1968 junto a Paco de Lucia graba Jazz flamenco
SI EN ESTA LISTA QUE VA ASTA 1971 CONOCEIS MAS EJEMPLOS NO DUDEIS EN PONERLO EN LOS COMENTARIOS (EL ROCK ANDALUZ SE DESARROLLARA EN SIGUIENTES POST ).
Este es uno de esos pequeños milagros de internet ,
En 1970 Linda Perhacs publica Parallelograms , la falta de atencion comercial y la negativa de la productora a promocinar el disco lleva a linda dejar la carrera musical.
Treinta años despues y gracias a internet el disco se vuelve de culto y una referencia para la llamada New Weird America,
Etiqueta popular Wild places pasó dos años tratando de encontrar Perhacs antes de contactar con ella en 2003, lo que lleva a una reedición de paralelogramos en CD y LP-2 en 2005. La reedición se obtuvo de las cintas en la colección personal Perhacs ', mejorando enormemente en la calidad del sonido del original presionando y 6 temas extra añadido de varios demos y outtakes de sesión. Sunbeam Registros de nuevo volvió a publicar el álbum en 2008, añadiendo 2 bonus tracks, incluyendo un extracto de una entrevista con la BBC.
Isao Tomita (en japonés: 冨田 勲, Tomita Isao), (Tokio; 22 de abril de 1932- Tokio; 08 de Mayo de 2016), renombrado tecladista y compositor japonés de música electrónica.
Tomita nació en Tokio y pasó su primera infancia con su padre en China. Tras volver a Japón, tomó clases privadas de orquestación y composición mientras estudiaba historia del arte en la Universidad de Keiō, Tokio. Se graduó en 1955 y se convirtió en compositor a tiempo completo para televisión, cine y teatro. Compuso la música para el equipo gimnástico olímpico japonés de los Juegos Olímpicos de 1956 en Australia.
A finales de los 1960s, volvió su atención hacia la música electrónica tras escuchar álbumes de Walter Carlos en los que Walter interpretaba música clásica con un sintetizador Moog. Isao compró un sintetizador Moog III y comenzó a montar su estudio doméstico. Empezó arreglando piezas de Claude Debussy para sintetizador y en 1974 publicó el álbum Snowflakes are Dancing, convirtiéndose en un éxito mundial. Su versión del Arabesco #1 se usó como el tema principal para las series de televisión de astronomía Jack Horkheimer's Star Gazer (titulada originalmente Star Hustler) emitida en la mayoría de los canales en abierto, así como también para la telenovela venezolana "Valentina" (1975) y, además, en España fue la música de cabecera del programa infantil de TVE "El Planeta Imaginario" (1983). También en 1974, Tomita compuso la música para la película japonesa Last Days of Planet Earth. Con frecuencia emplea la técnica Klangfarbenmelodie, usando voces sintetizadas.
Continuó publicando álbumes, de los cuales los más conocidos son sus interesantes arreglos de clásicos, como The Firebird de Ígor Stravinski, Pictures at an Exhibition de Modest Mussorgsky, y The Planets de Gustav Holst.
A finales de los noventa compuso una fantasía sinfónica híbrida para orquesta y sintetizador titulada The Tale of Genji, inspirada en la historia japonesa homónima. Fue interpretada en concierto por orquestas en Tokio, Los Ángeles y Londres. En 1999 se publicó en CD una grabación en directo del concierto, seguida de una versión de estudio en el 2000.
Su partitura para sintetizador incluyendo solos acústicos "Tasogare Seibei" ("El Samurái del Crepúsculo") ganó el premio de la Academia Japonesa de 2003 por sus logros destacados en música. WIKIPEDIA
Volvemos a traer este disco al blog disco fundamental del progresivo italiano y uno de los mejores discos de debut de un grupo.
Impresionante debut de una de las mas miticas bandas italianas.Grande grande.muy recomendable de los 50 mejores discos italianos de la historia.
La producción general es justo sobre todo si se tiene en cuenta que este es el primer álbum de la banda (de hecho, la PFM existía previamente con un nombre diferente). Por alguna razón, aun no conociendo el contenido del álbum hay una sensación de que estamos frente a un gran trabajo - más o menos como nos sentimos con la primer disco de King Crimson. pista de apertura, se inicia correctamente llamado 'introduzione' de una manera perezosa sólo para dar cabida a una sección final potente que actúa como una obertura realmente por las siguientes canciones.
'Impressioni di Settembre' es ahora una canción prog clásico y no sólo en Italia; la forma en que se desarrolló el tema tiene la característica que será una especie de marca registrada de la PFM: un comienzo lento y apacible seguido de un núcleo grandilocuente y majestuoso. Voz, guitarras y teclados trabajaN juntos para transmitir al oyente a un viaje astral, una sinfonía pastoral progresiva ; todo ello aderezado por gotas continuas de flauta suave y tambores pesados.
'E festa' muestra cara de la rock de PFM en un gran estado de ánimo. Prefiero escuchar esta canción como el álbum de acabado (o, al menos, un reprise) - al igual que lo hacen generalmente cuando en concierto. La canción es realmente una fiesta, un delicioso banquete, regada por magnífica que toca el instrumento.
'Paloma. Quando. (Parte I) "tiene, sin duda, una de las introducciones más bellos y progresistas he tenido la oportunidad de escuchar; increíble y sorprendente. La canción es una balada sabrosa dominado por la flauta y guitarras acústicas. El canto en italiano añade un encanto adicional a este tema bucólico y precioso.
'Paloma. Quando. (Parte II) 'es realmente una canción diferente, compartiendo con pista anterior y homónimo algunos acordes y el tema general. Durante 6 minutos preciosos que el oyente se realiza a través de diversas naturalezas: jazz, clásica, un poco rock y folk - todo instrumental. El resultado es excelente.
'La carrozza di Hans', otro clásico, es el gran momento progresiva general del álbum. Todo funciona en un gran nivel, pero el solo de guitarra, los cambios de tempo, los pasajes duros, la fusión contribuye en gran medida a la grandiosidad canción, dándole contornos épicos.
"Grazie davvero ', la pista de acabado, es también la canción más al estilo italiano - PFM no debe olvidar nunca sus raíces: el olor peninsular es gratamente omnipresente. Grazie, PREMIATA .
Algunos podrían decir, y estoy de acuerdo en parte, que la GFP fue influenciado por otras bandas progresivas, en concreto las de Gran Bretaña, sin embargo, este álbum es único, ya que la forma no sólo particular, el estilo de la banda sino que también ayudó en gran medida a dar el tejido final a lo que actualmente llamamos prog italiano; en consecuencia, una obra maestra.
Sirva esta grandiosa interpretacion de "While My Guitar Gently Weeps" de George Harrison para homenajear a todos los musicos que nos estan dejando este año y como no al gran guitarrista y compositor Prince.
Este disco es uno de los grandes clásicos del Jazz y en mi opinión uno de los de mas fácil escucha para todo aquel profano en este mundo , desconocedor o simplemente que no le atrae lo suficiente el Jazz.
El disco en el año de su publicación 1959 fue un gran éxito siendo el primer disco de Jazz en vender mas de un millón de copias.
Time Out es un disco de 1959 (originalmente catalogado como CS 8192) del conjunto The Dave Brubeck Quartet. Es caracterizado por piezas compuestas en compases musicales inusuales en el jazz contemporáneo al disco, incluyendo vals y vals de doble tiempo, como también compases de 9/8 y de 5/4, este último en una de las obras más famosas del grupo, Take Five, la cual fue compuesta por Paul Desmond.
Aunque el disco fue concebido como un experimento (supuestamente el presidente de la productora Columbia Records, Goddard Lieberson, tomaba un riesgo al lanzarlo) y recogió críticas negativas luego de su lanzamiento, se transformó en uno de los más famosos y mejor vendidos discos de jazz de la historia, y su single Take Five se convirtió en un estándar del género musical.
En el LP original:
Lado A
1 "Blue Rondo à la Turk" – 6:44
2 "Strange Meadow Lark" – 7:22
3 "Take Five" – 5:24
Lado B
1 "Three to Get Ready" – 5:24
2 "Kathy's Waltz" – 4:48
3 "Everybody's Jumpin' " – 4:23
4 "Pick Up Sticks" – 4:16
Todos los temas fueron compuestos por Dave Brubeck, con excepción de "Take Five", de Paul Desmond. Las pistas 1 y 7 fueron grabadas el 18 de agosto; las pistas 2 y 3 el 1º de julio; y las pistas 4, 5 y 6 el 25 de junio de 1959.
Músicos
Dave Brubeck — piano Paul Desmond — saxo alto Eugene Wright — contrabajo Joe Morello — batería
Personal técnico
Teo Macero - productor
Fred Plaut - ingeniero
Mark Wilder - remasterizador (relanzamiento en CD de 1998)
Cozbi Sanchez-Cabrera - director de arte
Seth Rothstein - director del proyecto
Brain Salad Surgery es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, lanzado en 1973. Es considerado el mejor álbum del grupo, y uno de los más relevantes del género. Greg Lake es co-autor de las letras de las canciones con su ex compañero de banda en King Crimson: el letrista Peter Sinfield.
Las ilustraciones de la portada del disco son de Hans Ruedi Giger.
cara A
"Jerusalem" (Blake - letra -, Parry) - 2:44
"Toccata" (Ginastera) - 7:21
"Still...You Turn Me On" (Lake) - 2:53
"Benny the Bouncer" (Emerson, Lake, Sinfield - letra) - 2:21
"Karn Evil 9: 1st Impression, Part. 1" (Emerson, Lake, Sinfield - letra) - 8:36
cara B
"Karn Evil 9: 1st Impression, Part. 2" (Emerson, Lake, Sinfield - letra) - 4:46
"Karn Evil 9: 2nd Impression" (Emerson, Liszt - primero de los "Valses de Mefisto" -, Sonny Rollins - "St. Thomas") - 7:07
"Karn Evil 9: 3rd Impression" (Emerson, Lake, Sinfield - letra) - 9:23
"Jerusalem" es una versión de un himno homónimo muy popular en Inglaterra, sobre todo en comunidades religiosas, sacado del poema "And did those feet in ancient time", con el que William Blake abría su obra "Milton: un poema". La melodía y la armonía del himno, y también de la versión de ELP (básicamente), son las de la composición de Hubert Parry. Más contemporáneamente ha sido el himno de los laboristas en Inglaterra desde final de la segunda guerra mundial con el que se proclamó la implantación del estado benefactor. La versión de ELP se mantiene a su vez como un himno del rock progresivo.
"Toccata". Continúa el disco con este poderoso instrumental, constituido por varios pasajes del cuarto movimiento del "Concierto para piano nº 1" de Alberto Ginastera. Emerson, Lake y Palmer lo visitaron en Ginebra, Suiza, para solicitarle permiso para usar su adaptación. El compositor argentino quedó impresionado por la calidad de la pieza y la aprobó.
"Still...You Turn Me On", la balada de este disco, es otra excelente canción, muy exitosa.
"Benny the Bouncer" es la última en la serie de canciones sobre el viejo oeste, y es un poco más conocida que las otras dos de la serie.
"Karn Evil 9". El disco finaliza con esta pieza épica que se divide en tres "impresiones":
La primera es la más conocida ("Welcome back my friends to the show that never ends..."), y trata al principio de lo que queda después de una guerra, y entonces cambia radicalmente a la intervención de un maestro de ceremonias presentándo al público las exhibiciones que tienen. Se trata de una de las partes del disco con mayor densidad de sonido, lo que ocasiona una diferencia de volumen muy apreciable entre los pasajes de la 1ª cara del LP y los de la 2ª, ya que esa "impresión" va repartida entre ambas (los surcos del principio de una cara de un LP dan mayor calidad de reproducción que los del final, debido a que, con la misma velocidad, la aguja lee más surco por lo mismo que cualquier circunferencia tiene mayor perímetro que otra interior suya, y así la aguja encuentra más información; por esta razón, las piezas comerciales solían ir al principio de las caras de un LP).
La segunda "impresión" es un instrumental, construido principalmente por Keith Emerson, que suena bastante como jazz en algunas secciones: de hecho, contiene una cita del calipso "St. Thomas", de Sonny Rollins. Contiene también material reelaborado del primero de los "Valses de Mefisto" ("Mephisto-Walzer", de Liszt: "El baile en la taberna de la aldea" ("Der Tanz in der Dorfschenke").
La tercera y última "impresión" cuenta con la voz de Keith Emerson electronizada, y es una historia acerca de la pelea entre la máquina y el humano; la música evoca una batalla en un medievo fantástico, como de historieta gráfica o de dibujos animados.
Keith Emerson: órgano, piano, clavecín, acordeón, sintetizadores Moog construidos expresamente, Moog Polyphonic ensemble, voz de computadora en "Karn Evil 9. 3rd Impression".
Greg Lake – voz, guitarra eléctrica, bajo eléctrico.
Carl Palmer – Batería, timbales, campanas de tubo, marimba, temple blocks, flexotono (flexatone en inglés), sintetizadores de percusión.
contraportada del disco
Se considera la portada del álbum como una de las más memorables (y a menudo perturbadoras) de su tiempo. Presenta el arte de carácter biomecánico y monocromático propio de Giger, un mecanismo industrial y una calavera humana y el que sería el nuevo logotipo de ELP, creado por él. La parte inferior del rostro de la calavera se halla cubierta por un "visor" circular que muestra lo que sería esa parte cubierta de carne. En la edición original del LP, la lámina exterior de la portada estaba efectivamente dividida en dos mitades que se abrían como dos hojas de puerta, salvo que la sección circular, el "visor", era una prolongación de la hoja derecha, y la izquierda tenía el vano correspondiente para que encajara como en un rompecabezas. Abriendo esa puerta de doble hoja, se revelaba la imagen completa de la cabeza de una mujer, para la que el artista había tomado como modelo la de su propia esposa. Tenía el cabello como de "extraterrestre", y el rostro estaba lleno de escaras; una de ellas era la de una lobotomía frontal; otra, el símbolo del infinito. Las dos imágenes de la mujer son muy parecidas, pero en la exterior se advierte en el "visor" lo que parece ser la parte superior de un falo justo bajo la barbilla, irguiéndose desde una columna, situada un poco más abajo, formada por parte del logotipo "ELP". Originalmente, la imagen interior presentaba el falo completo, pero se suprimiría a instancias de la compañía discográfica. La contraportada era negra con el título en letras blancas.
En ediciones posteriores del LP (y en casi todas las del CD), la portada consta de una sola lámina, la exterior; y la interior aparece en la contraportada. No obstante, la reedición de 1993 de Victory Music, en CD, presentaba la obra en un Digipak especial con la lámina exterior dividida en dos hojas como era en origen, y también podía abrirse, pero para dejar al descubierto un pequeño póster, con las letras en un lado y fotos de los músicos en el otro, que era una reproducción del de la funda interior del álbum original. La edición de Rhino de 1996 optó por una cubierta lenticular, con la que podían verse superpuestas las dos imágenes si se movía la caja.
Para una y otra imagen, se empleó pintura gris con aerógrafo, de modo que tuvieran un aspecto de metal y mecánico. Aun así, en algunas ediciones del álbum se emplearía demasiado rojo en la impresión de la lámina exterior, haciendo que la imagen pareciera, en palabras de Giger, "un montón de caca de la vaca".
El logotipo de ELP diseñado por Giger, en el que se cierra en círculo la "E" y la parte superior de la "P" en torno a una columna formada por la "L" y el trazo vertical de la "P", se convirtió en el emblema del trío, y se ha usado ampliamente desde entonces.
Las dos ilustraciones de la portada se llaman "Work #217 ELP I" y "Work #218 ELP II". Las pinturas originales, hechas con acrílico en papel, se perdieron (o fueron robadas) tras una exposición de obras de Giger en el Museo Técnico Nacional de Praga, exposición que duró hasta el 31 de agosto del 2005. wikipedia
Esta es una nueva sección en la que vamos a ver grandes interpretaciones de los míticos del rock. Aprovecharemos para ello el enorme catalogo de youtube . Veremos o oiremos interpretaciones excelsas de temas interpretados por los músicos en estado de gracia , en comunión con el público y que en su día fueron bien producidos con un trabajo destacáble por los ingenieros de sonido.
Para comenzar la sección he escogido una canción mítica en la que para el que escribe es su mejor versión .
Corre el año 1976 Lynyrd Skynyrd esta en lo mas alto de su popularidad y son invitados al festival de Knebworth , donde tocaran con bandas como Hot Tuna, Don Harrison Band, The Rolling Stones, Todd Rundgren.
El 21 de agosto tocan en Hertfordshire Inglaterra ante 370000 personas, ya se han quitado los nervios y la actuación esta saliendo perfecta hay que terminar a lo grande con esta canción "free bird"
Comienza de manera pausada con la entrada del piano y la guitarra imitando el canto de los pájaros , y terminara con un trío de guitarras arrollador.
A disfrutar.
David Gilmour , Paul y Linda McCartney viendo a Lynyrd Skynyrd en Knebworth 1976
Nikolaus Harnoncourt (Johann Nicolaus, conde de la Fontaine y de Harnoncourt-Unverzagt) (Berlín, Alemania, 6 de diciembre de 1929-St. Georgen im Attergau, Austria, 5 de marzo de 2016)1 fue director de orquesta austríaco, uno de los pioneros en la interpretación con instrumentos originales (o réplicas fieles) y criterios musicológicos de las obras del periodo barroco y clásico.
Nació en Berlín, fue llevado a Graz y estudió música en Viena. Su madre Ladislaja Gräfin von Meran, Freiin von Brandhoven, era la nieta del archiduque Johann de Austria de Estiria. Su padre Eberhard d'Harnoncourt-Unverzagt estudió ingeniería, para trabajar en Berlín. De su primer matrimonio tenía dos hijos. Dos años después del nacimiento de Nikolaus, nació su hermano Philipp Harnoncourt.
La familia se trasladó a Graz, en donde el padre consiguió un puesto en el gobierno estatal (Landesregierung) de Estiria. Nikolaus Harnoncourt fundó el Concentus Musicus Wien con su esposa, Alicia Hoffelner, en 1953 mientras que tocaba el violonchelo con la Orquesta Sinfónica de Viena. Este conjunto se dedicó a ejecuciones con instrumentos auténticos del período, y por los años 70 su trabajo con éste lo había hecho bastante bien conocido. Tocaba entonces la viola da gamba, como el violonchelo.
Posteriormente tocó con muchas otras orquestas usando instrumentos modernos, pero con la atención puesta en la autenticidad histórica en términos de tempo, dinámicas, etcétera. También amplió su repertorio, continuando con la ejecución de obras de música barroca que lo habían hecho famoso, pero también triunfando en el repertorio de la opereta vienesa. En años recientes, ha hecho una grabación referencial de las sinfonías de Beethoven, con la Orquesta de Cámara de Europa.
En 1971, Harnoncourt comenzó un proyecto en común con el director Gustav Leonhardt para grabar todas las cantatas de Johann Sebastian Bach. El proyecto fue terminado en 1990, y (salvo un par de cantatas, las nº 51 y 199) fue el primer y único ciclo de cantatas en utilizar tanto un coro como solistas masculinos (niños y contratenores) en vez de mujeres. De este modo se atiende también al criterio historicista en el aspecto vocal, que ha sido tenido en cuenta poco o nada.
En los años 2001 y 2003 dirigió el Concierto de Año Nuevo de Viena, frente a la Orquesta Filarmónica de Viena.
En 1982 grabó para la televisión austriaca ORF el Oratorio de Navidad de Bach con el Coro de Niños de Tölz y en 1985 la Pasión según San Juan del mismo compositor, también con el Tölzer Knabenchor e igualmente disponible en DVD, que obtuvo en 2006 el premio discográfico Diapason d'or.
En ambas interpretaciones se empleó a niños tanto en el coro como en las partes solistas de soprano y contralto, del mismo modo que se hacía en los tiempos de Bach. En 2001 una grabación de la Pasión según San Mateo del mencionado compositor, aclamada por la crítica y que ganó el Grammy, incluye la partitura completa de la obra en un CD-ROM.
Storm (en sus comienzos, The Storm) fue uno de los grupos históricos españoles de rock duro, originario de Sevilla (Andalucía), que estuvo activo entre 1970 y 1981
El grupo se forma en 1969, bajo el nombre de Los Tormentos, aunque muy pronto lo cambian al definitivo Storm por indicación de su mánager, José Luis Fernández de Córdoba. Asiduos de los circuitos de clubs de Madrid y Barcelona, adquieren renombre suficiente como para que el sello BASF les grabe su primer Lp, titulado The Storm, que mezcla heavy y psicodelia, y alterna temas en español, en inglés y temas instrumentales. En 1975 comparten cartel con el grupo Queen, y merecen una felicitación pública del propio Freddie Mercury. En esta época, introducen eventualmente en su música elementos rítmicos de origen flamenco, por lo que algunos autores los incluyen entre los pioneros del rock andaluz.
En 1976, el grupo se deshace, debido a que sus miembros tienen que cumplir el servicio militar, aunque antes de finalizar 1978 vuelven a reunirse y continúan con sus giras. No editarán su siguiente álbum, El día de la tormenta, hasta 1980, con un cambio en el bajo, entrando Pedro García en lugar de Pepe Torres. Un año más tarde, 1981, el grupo se retira definitivamente.
En 2004, falleció su teclista, Luis Genil, y el resto de la banda realizó tres conciertos-homenaje en Sevilla, volviéndose a reunir en 2011 para tocar en el Festival "Rock por Palestina" celebrado el 25 de febrero, en la misma ciudad.2
No es hasta 2014 cuando el grupo sorprende sacando su primer disco de estudio con material inédito en más de 30 años, editando "Trilogía".
El siguiente vídeo es de un programa de televisión con actuaciones en directo y entrevistas .
Siempre hay alguna buena razon para escuchar a Mozart,hoy os traigo esta preciosa obra Davide penitente, K. 469, cantata compuesta por Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). El Davidde penitente es considerado dentro del grupo de obras masónicas. Obra basada en la música de la Gran Misa en Do menor KV 427. Obra solicitada a Mozart en el año 1785 y fue estrenada en Viena el 13 de marzo de 1785. El texto fue escrito por Saverio Mattei (1742–1795)
El tema de la obra está basado en textos del Libro de Samuel del Antiguo Testamento. Lorenzo da Ponte usó versos libres según el estilo de los Salmos sin usar textos originales o textuales directos.
El Davidde penitente no consta de una trama concreta. Contiene arias de coloratura operística y corales de gran dificultad técnica.
