Juan Carlos Caledron – Solea (1978)

El disco que Juan Carlos Calderon consideraba como el de mejor factura, es un disco arriesgado que mezcla el flamenco el jazz y el rock, con invitados de lujo como Enrique Morente.

El compositor, cantante, músico y arreglista cántabro Juan Carlos Calderón, conocido por ser el arreglista de muchos temas eurovisivos, entre otros, como "Eres Tu" de Mocedades, "Tú Volverás" de Sergio y Estíbaliz y "La, La, La" de Massiel, esta ultima ganadora en 1968 de Eurovisión, animado quizás por el boom del rock andaluz o del espíritu fusionador que se vivia en aquellos finales de los 70's, compuso un trabajo titulado "SOLEÁ" (1978) donde el propósito final era fusionar el flamenco y el jazz pero que además se puede oír en un par o tres de temas Rock Andaluz al mas puro estilo.
Dicen que el álbum fue grabado en directo en un concierto en el Centro Cultural de la Villa de Madrid donde Juan Carlos Calderón contaba con el cantaor granadino Enrique Morente y los "zapateaos" los ponía el bailaor Goyo Montero.

Tan solo consta de cinco temas este disco, el primero de ellos

 "Siguiriya" comienza con un toque morisco, escuchándose de fondo unos "zapateaos" que deben corresponder al bailaor Goyo Montero, para dar paso a un largo intermedio donde el protagonista es el cante jondo de Enrique Morente acompañado tan solo de un sintetizador de fondo, seguidamente tenemos los momentos instrumentales mas típicos del Rock Andaluz (a lo Alameda, Dolores, ...) que incluye sección de vientos tornándose en ocasiones orquestado en algunas fases... el tema acaba como comienza con ese toque morisco.

Introducción - Soleá es un tema algo experimental y vanguardista donde aparecen junto a los toques de rock andaluz, aires jazzeros, no olvidemos que Juan Carlos Calderón se movía por esos derroteros, en fracciones de segundo vuelve aparecer Enrique Morente al cante como fondo.

El tema "ORACIÓN" es un tema fusionador del jazz y el flamenco, en esta ocasión en tono tranquilo y sosegado con la aparición momentánea de una cantante femenina

"Vuelo Chicago-Madrid-Chicago" fusiona el "sonido Philadelphia" con el jazz y el flamenco...

"Colombiana para un niño sin parque".. experimenta fusionando el jazz con las colombianas añadiéndole un pequeño relato hablado y un meritorio solo de guitarra.

Post y descarga de"SANGRE ESPAÑOLA"

https://sangrespanola.wordpress.com/2014/04/21/14615/

Juan Carlos Caledron

Booker T and MG's - Green Onions

Green Onions es probablemente uno de los instrumentales mas famosos y mas versionados de la historia.
Compuesto por Booker T and MG's en 1962 cuando Booker tenia solo 18 añitos es un instrumental de R&B.
. La melodía es un blues de 12 compases con una ondulante órgano Hammond M3 línea. El guitarrista Steve Cropper utiliza una Fender Telecaster en "Green Onions" como lo hizo en todos los instrumentales del MG.  La pista fue emitida originalmente mayo 1962 en el Volt 102 subsidiaria de Stax Records como el lado B de "Compórtate Yourself "; fue rápidamente reeditado como la A-lado de Stax 127, y también apareció en el álbum Green Onions .
 De acuerdo con Steve Cropper, el nombre no es una referencia de la marihuana; más bien, la pista lleva el nombre del tejón verde gato 's, las cebollas verdes, cuya forma de caminar inspirado el riff. [Songfacts.com, sin embargo, atribuye el título de la pista a Booker T. Jones. Cuando se le preguntó por Jim Stewart lo que había nombrado a su pista, informa Songfacts, Jones respondió: "Green Onions". "'¿Por qué" Green Onions "?' Jim preguntó Booker T:. '. Porque esa es la cosa más desagradable que se me ocurre y es algo que tiras.

Bueno vamos con la version original.
Booker T and MG's - Green Onions

 La banda desarrolló esta canción mientras esperaban para el cantante de rockabilly Billy Lee Riley (un artista Sol) se presenta para una sesión. En una entrevista con la National Public Radio (NPR), Booker T. Jones dijo: "Eso sucedió como algo de un accidente Utilizamos el tiempo para grabar un blues que llamamos" pórtate bien ", y yo jugaba en un Hammond M3. órgano. Jim Stewart, el propietario, fue el ingeniero y él realmente le gustó y quería ponerlo fuera como un registro. Todos estamos de acuerdo en eso y Jim nos dijo que necesitábamos algo para grabar como un lado B, ya que no podíamos 't tiene un registro de un solo lado. Una de las canciones que yo había estado jugando en el piano que probamos en el órgano Hammond para que el registro tendría órgano en ambos lados y que resultó ser "Green Onions".
A medida que los chicos estaban llamando a una noche después de grabar la canción, Jim Stewart les pidió que escuchar lo que había grabado en una sola toma particular. Escucharon pero no eran tan impresionado como Jim, quien preguntó: "¿Si lanzamos esto como un registro, ¿qué le gustaría llamarlo" "Green Onions", fue la respuesta Booker T. Jones. "¿Por qué 'Green Onions" "Jim preguntó. Booker T: "Porque esa es la cosa más desagradable que se me ocurre y es algo que tirar."
El guitarrista del grupo, Steve Cropper trajo esta canción a la estación de radio de Memphis WLOK el día después de lo grabaron. El DJ de la mañana, Rueben Washington, era un amigo de Cropper de, y puso la canción en su tocadiscos para escuchar fuera del aire. Después de escuchar sólo una parte de la canción, le cortó el récord que estaba en el aire y comenzó a jugar "Green Onions" para sus oyentes. Dice Cropper: ".. Jugó cuatro o cinco veces seguidas Estábamos bailando alrededor de la sala de control y lo creas o no, las líneas telefónicas se iluminaron supongo que teníamos todo el pueblo a bailar por la mañana." La respuesta a la canción demostró punto que debería ser la cara A del single en lugar de de Cropper "pórtate bien", y subsecuente individual se presiona con los lados volteado.

El grupo lleva el nombre de los coches deportivos británica MG, pero cuando la empresa expresó su desaprobación, que se cobró las iniciales como "Grupo Memphis." Los miembros de la banda eran Booker T. Jones, Steve Cropper, Al Jackson, y Lewie Steinberg (quien fue reemplazado en 1964 por Donald "Duck" Dunn). Jackson murió en 1975, pero los miembros restantes se han reunido con frecuencia para jugar varios eventos, incluyendo el concierto homenaje "Bobfest" Bob Dylan en 1992, y en 1993 la gira de Neil Young. La banda estaba integrada, lo que era inusual en el momento en Memphis: Tres miembros eran negro, y uno era blanco (Cropper). Cuando Martin Luther King Jr. recibió un disparo en Memphis en 1968, encendiendo ya altas tensiones raciales, que tenían dos blancos y dos miembros negros.
El sonido es impulsado por el órgano Hammond interpretado por Booker T. Jones, quien tenía 17 años cuando esto fue grabado. El órgano Hammond fue inventado en 1934 por Laurens Hammond. Su sonido lúgubre hizo el instrumento de elección para capillas militares, pero luego en la década de 1960 los rockeros se enteró de ella y el dispositivo se convirtió en un instrumento de teclado estándar para el jazz, el blues, el rock y la música gospel.
En el Reino Unido, esto fue muy popular en los clubes de baile, pero no se convirtió en un golpe de la carta hasta 1979, cuando fue utilizado en la película Quadrophenia . Un personaje interpretado por Sting bailó en la película. (Gracias, Edward Pearce - Ashford, Kent, Inglaterra)
En su libro Guía de Solicitantes al ritmo de antaño , Shiloh Nadie escribe sobre el impacto del Reino Unido de esta canción: "El surco" Green Onions "ha mantenido un filtrado de la rendición de cuentas épica en una variedad de estilos, pero sus raíces tener un arma de doble filo . Vamos a picar las cebollas y saboreamos el escozor que derramó sus lágrimas en los últimos cuarenta años. Por extraño que el gancho infecciosa nunca trazado en los años 60 y tardó 17 años en llegar a Reino Unido # 10. Es cierto Atlántico se había deslizado hasta no reconocer que el instrumental "Memphis Sound 'había conjurado una moda baile blues en los años 60. Los 1967' Green Onions" solo fue respaldada por el mal grabado "Bootleg". El riff tomó la moda durante el revival mod en los años 70 y se encontraba incluido en The Who Quadrophenia banda sonora. Para muchos era la primera introducción a Booker T. Fue reeditado como single en 1979 y agrietado el Reino Unido # 10 debido Steve Cropper y 'Duck' Dunn unirse a los Blues Brothers y que ofrece en la película del mismo nombre. El riff de picadura de nuevo resurgió en 1985 en 'Old Gold Records', esta vez respaldado por 'Damas Chinas ". Algunas de las versiones más definitivos de 'Green Onions "fueron presentados por Georgie Fame (Fama en el último), The Ventures (Lonely Bull), King Curtis (Memphis hits). La ranura irresistible también enganchó los grandes y poderosos como en' Stoned ' por los Rolling Stones que se publicó como lado B de " I Wanna Be Your Man ". El ritmo se movería de generación en generación a partir de los Blues Brothers ( Hecho en América - 1980), Johnny Thunders (álbum epónimo 1982) y el acid jazz Penthouse Suite . (1990) por el James Taylor Quartet Salvo el original que se inicia como una mula, su son cuatro interpretaciones estimulantes: Vivo aventuras de Mike Bloomfield y Al Kooper , que tiene Mike improvisando sobre la decisiva drone Al Kooper Hammond frolics tono elocuente de Bloomfield y empuja con absoluta facilidad increíble la multitud en Bill Graham Fillmore Downliners Secta de Inglaterra liberados.. la versión más auténtica y probablemente la única puramente jugó en la guitarra en 1964, probablemente también la primera versión británica y que yo sepa, la primera cubierta encerar el mundo. Para los puristas de los solos de guitarra frenéticos fueron reforzados por Muleskinner guitarrista Ian McLagan, organista futuro con los Small Faces. maestro de la guitarra de Roy Buchanan grabó éste en 1967 por su zona de carga. Él comparte los solos de plomo con nada menos que autores Steve Cropper y el bajista Donald 'Duck' Dunn ".
Esta canción provee a los difusores con una cama instrumento maravilloso que ellos pueden hablar sobre o salir por su cuenta, sin perder la audiencia. El programa de NPR aire fresco lo utiliza con gran éxito, y la canción también ha aparecido en varias películas y programas de televisión, así como en los comerciales de televisión para Mercedes. (Gracias, Bertrand - París, Francia)
Según Q revista, unos pocos años después de esto fue puesto en libertad, Georgie Fame reunió Booker T y le dijo que él pensaba que el sonido Hammond en esta canción fue increíble y le preguntó qué las palancas en el órgano se establecieron para. Al parecer, Booker T no tenía conocimiento de que los ajustes se pueden cambiar y él respondió: "¿Qué, esas cosas se mueven?"
Esta es una versión grabada en directo en los años 60

Lewie Steinberg (bass)Booker T. Jones (organ, piano)Steve Cropper (guitar) Al Jackson, Jr. (drums)

Miles Davis - Sketches Of Spain (1960)

Sketches of Spain ("Bocetos de España", 1960) es un álbum decisivo en la historia de la música fusión, de la world music a un nivel absolutamente pretérito pero brillante, e incluso como un paso de gigante hacia la música entendida como aventura, como creatividad sonora pura, que con el tiempo desembocaría en una liberación total de los esquemas tradicionales del pop


John Montdragon, un apuesto bajista de estudio, indio de origen hispano, tuvo la culpa de que Miles Davis hiciese una obra maestra con raíces españolas. “En 1959 estuve en Los Ángeles y fui a visitar a un amigo llamado Joe”, cuenta el genio en su interesante autobiografía Miles (de Quincy Troupe). “Cuando fui a su casa puso una grabación del Concierto de Aranjuez, del compositor español Joaquín Rodrigo. Me senté a escuchar diciendo para mí: ‘Maldición, estas líneas melódicas son muy fuertes. Supe allí mismo que tenía que grabar aquella música, porque, simplemente, se me quedó grabada en la conciencia”.

 En seguida Miles Davis habló con Gil Evans, pianista, compositor y arreglista con el que tenía solía trabajar, que quedó igual de cautivado con la pieza. Evans tiró de biblioteca. “E investigó exhaustivamente la música española, el flamenco y la vida de los gitanos de España”, cuenta Ian Carr, en otro libro imprescindible del genio, Miles Davis, la biografía definitiva. Juntos buscaron más canciones con las que completar el álbum. Y se dieron de bruces con la saeta.

El más ancestral de los cantes andaluces, que se suele cantar en las procesiones de Semana Santa, sedujo a los dos que se pusieron manos a la obra. “Se suponía que mi trompeta era la voz de la mujer que canta la saeta desde el balcón”, explicó Davis. “Bien, aquello fue lo que más me costó: tocar con las trompeta las partes en que se suponía que alguien cantaba, especialmente cuando improvisaba, que era casi siempre”.

Así que Miles se preocupó de que los músicos de la orquesta con la que grabó la canción Saeta se olvidasen por un rato de sus serios conocimientos musicales y dejasen de tocar a la perfección para dar paso al sentimiento. Lo mismo trató de hacer cuando grabaron Soleá. “Había que explicarles que no tocasen fielmente lo que indicada la partitura. Los músicos empezaron a mirarnos como si estuviéramos locos. Lo que queríamos en realidad era que primero lo sintieran, luego que lo leyeran y lo tocasen”. Los primero músicos que utilizaron no fueron capaces así que tuvieron que reorganizar la orquesta.



El disco de publicó en 1960. Aquella fue una de las épocas más creativas y fértiles de Miles Davis. Un año antes había publicado el indispensable Kind of the blue. Y un poco antes, en 1958, había editado Milestones y Porgy and Bess (si no los tienes, ya estás tardando).

Sketches of Spain se grabó en quince sesiones de tres horas cada una. Es decir 45 horas, sin contar las cuatro primeras sesiones en las que Miles estuvo enfermo de gripe. La cara A del disco original contiene el Concierto de Aranjuez y Will o’ the wisp [Canción del fuego fatuo] del ballet El Amor Brujo del también compositor español Manuel de Falla. La segunda cara contiene The Pan piper, Saeta y Soleá.


En la rueda de prensa de presentación del disco fue cuando Miles dijo aquella famosa frase que ha quedado para la historia y que ahora muchos repiten: “El flamenco es el equivalente español a nuestro blues”. Sigue siendo unos de los mejores discos para escuchar en Semana Santa, más allá de tus creencias religiosas, aunque Joaquín Rodrigo no pensase lo mismo en su momento. A oídos de Miles Davis llegó lo que el compositor español opinaba sobre el resultado: “No me gusta”, dijo. Rodrigo cobraba derechos de autor por la melodía así que Miles Davis no tardo en responder: “Ya veremos si le gusta cuando empiece a recibir los cheques”.

Lino Portela.

Post y descarga de"LOSS LESS JAZZ"

http://losslessjazz.net/miles-davis-sketches-of-spain-1960-flac-2/

Serge Gainsbourg - Histoire de Melody Nelson

El mejor disco de rock hecho en francia.Este es el calificativo que se le suele dar a este disco conceptual de Gainsbourg .

En tan solo 27 minutos Gainsbourg, pegado al micrófono, narra y canta, aborda la pasión más que con palabras, con música (lo cual es un verdadero mérito creativo teniendo en cuenta lo buen letrista que era), y también revela las claves de su estética, presente en el resto de su obra. En términos musicales, al francés gutural de Gainsbourg le acompañan intervenciones de Jane Birkin, y los arreglos de Jean Claude Vannier, magistrales, que determinan por completo el espíritu del disco: a la presencia constante del bajo en primer término (incesante, sórdido) se le suman batería, guitarras eléctricas (algo totalmente inusual en la discografía gainsbourgiana), sección de cuerda (una de las claves del sonido tan particular del disco: suntuosas, arrastran al mundo de los sentidos y pasiones que propone el autor), entre otros elementos, como el memorable coro final de 70 componentes.

Esta es la historia de un capricho. El de una veleidad cumplida con creces; consumada en lo artístico y lo personal. Serge Gainsbourg logró sacar adelante su disco más complejo y caro (el éxito de “Je t’aime… Moi non plus” pagó la producción) y proyectar su desaforado amor por Jane Birkin –por todas las Lolitas del mundo– en los veintiocho minutos más inspirados de toda su carrera.

“Histoire de Melody Nelson” (1971) es la cacareada historia de la relación entre un hombre maduro y una niña que se topan accidentalmente e inician un tórrido y escandaloso romance. Ese es el motor narrativo de una obra que explica, de forma poética e idealizada, el encuentro entre el autor y Birkin. El encontronazo no fue en absoluto positivo: él pensó que era una cerda y ella, el hombre más horrible del mundo, confiesa la inglesa en el documental en DVD que acompaña esta reedición (en el que también se incluyen todos los vídeos de cada tema, amén de incontables entrevistas). Incluye también material nuevo –la desconocida “Melody Lit Babar”– y otras tomas no publicadas (y alternativas, como las llaman) e instrumentales de los siete temas que forman la obra original, aquí llamadas “Les sessions Melody Nelson”.

Cuarenta años después de su aparición, y con Gainsbourg convertido en mito de la cultura popular, vale la pena revisar los créditos de esta obra maestra de la perversión y la corrupción, como parece advertir su sugerente portada, y señalar el mérito de Jean-Claude Vannier. El arreglista y responsable de la instrumentación, autor del inclasificable y adictivo “L’enfant assassin des mouches” (1972), no solo dio empaque y sentido a los delirios funk de Gainsbourg, sino que trazó las líneas maestras del pop instrumental europeo de los setenta, que colisionó gracias a Vannier con la vanguardia, dejando una huella tan profunda como la de “Histoire de Melody Nelson”

Jaime Casas

La historia del disco es la de un hombre adulto que una noche, transitando con su Rolls Royce por un barrio marginal choca con una chica pelirroja, inglesa, de 15 años que va en bicicleta. Su aspecto inocente como de muñeca y su innegable atractivo hacen surgir la chispa. Nace así una relación idílica en la que no importan la edad ni las condiciones de cada uno.  Ambos acaban en la cama de un hotel de cuidada estética (espejo en el techo incluido). Al éxtasis del sexo le sucede la nostalgia: Melody toma un avión para regresar a su Inglaterra natal pero nunca llega a su destino. Destrozado, el protagonista acaba delirando, invocando a los aviones que ve pasar por el cielo (como ciertas tribus africanas durante la Segunda Guerra Mundial) para ver si alguno cae y le trae de vuelta al objeto de sus pasiones.

https://www.youtube.com/watch?v=7X5LwFCHNe4&list=RD7X5LwFCHNe4#t=842

Post y descarga de "CLUB BIPOLAR DE RICHIE"

http://clubbipolarderichie.blogspot.com.es/2012/10/sege-gainsbourg-histoire-de-melody.html

Aphrodite's Child - - 666

Los fans del rock progresivo generalmente son injustos con músicos talentosos como Demis Roussos y Evangelos Odiseo Papathanassiou (Vangelis), es cierto que Demis su carrera en solitario se basa principalmente en el pop suave, pero la gente se olvida que él era un bajista muy talentoso con un gran rango vocal y Vangelis se acordaban por sus álbumes aburridos de la Nueva Era o bandas sonoras comerciales en lugar de obras maestras progresistas como "Heaven & Hell" o incluso sus álbumes con Jon Anderson, que no están entre mis favoritos, pero deben reconocer como música de calidad.
También es un importante recordar APHRODITE'S CHILD no sólo estaba formado por los músicos mencionados porque Anargyros (plata) Koulouris que había regresado de su servicio militar para grabar este disco es un muy buen guitarrista y Lucas Sideras es un baterista muy capaz, esta dos miembros tenían una participación directa en el álbum

Debido a la complejidad de los 666 reclutaron también un buen número de artistas griegos para complementar la banda como la de múltiples actriz talentosa y brillante Irene Papas, Harris Chalkitis y Michel Ripoche de los vientos, un gran letrista, director de cine, autor de libros y miembro del la Academia Europea de Cine de Costas Ferris para cuidar de las letras e incluso el conocido artista Yannis Tsarouchis para el texto griego. En otras palabras, el álbum fue planeado cuidadosamente.

El concepto del álbum es sobre el libro más complejo y controvertido de la Biblia, "Libro de San Juan del Apocalipsis", también conocido como "El Apocalipsis", una tarea muy difícil, incluso hoy en día, pero más difícil en 1970, cuando había muy poca experiencia con álbumes conceptuales, es importante tener en cuenta que el 666 es considerado el primer álbum conceptual adecuadamente, porque antes sólo fueron liberados algunas óperas rock que son parte de un sub-género diferente.

Cuando 666 se registró los problemas dentro de la banda se lleva a la división inevitable, sobre todo porque Roussos y Sideras querían seguir haciendo la música comercial como en sus discos anteriores y Vangelis se decidió tomar un camino más complejo, por lo que el 666 era realmente su último intento para mantener la formación clásica de la banda permitiendo Vangelis para componer un verdadero álbum progresivo y complejo, pero ya era demasiado tarde para la banda, y el 666 fue su último álbum, una excelente manera de cerrar el cuento del hijo de Afrodita.

Es difícil describir la música porque no hay otra banda que tenía un sonido o estilo similar, la influencia griega también es diferente a la habitual, no esperes algo pegadiza o campechano como Zorba el griego, ya que la banda utiliza más oscuro de la música religiosa más una estructura sinfónica 100% con toques de psicodelia, es importante recordar que Grecia es el país en el que se basa la Iglesia Católica Ortodoxa, y esta influencia ayuda a crear un ambiente bíblico y misterioso.

El mayor logro de la banda es la forma en que se mezclan esta música litúrgica con influencias más occidentales como el pop y por supuesto rock sinfónico. Pero hacen algo aún más aventureros, que incluyen algunas pistas que suenan como las oraciones de los monjes, con rastros de cantos gregorianos e incluso sonidos complejos, que se adelantaron a su tiempo en muchos aspectos.

Es difícil describir las pistas en busca de un punto favorito o alta, debido a que el álbum es muy fiel a "El Libro de las Revelaciones" y cualquier intento de separar una canción lo toma de su contexto natural y rompe la atmósfera tan cuidadosamente creado por APHRODITE'S CHILD .

Por ejemplo, el Infinito pista (señal de que no se puede reproducir con un teclado de PC) fuera del álbum significa nada, excepto una mujer que tiene un orgasmo, pero en el contexto del álbum tiene sentido debido a que el libro de Apocalipsis hace varias referencias a la prostituta que tentó a los reyes. Puede ser una buena interpretación por Irene Papas, pero que no debe colocar en voz alta en el reproductor de CD de su automóvil a menos que tenga las ventanas cerradas, ya que puede ser embarazoso.

Disco 1 tiene muchas canciones importantes después de la extraña "El Sistema", que suena como una oración extraña.

"Babilonia" es una canción de rock con un trabajo de guitarra excepcional, a pesar de que es una pista de estudio, la banda creó el sonido de una multitud para simbolizar multitudes en la capital bíblica del mundo, muy buena canción, incluso si no progresiva.

"Loud, Loud, Loud" es una narración de un párrafo de la Biblia, rodeado por un hermoso piano, para esta canción la banda utiliza la voz del hijo de un diplomático griego, pista muy atmosférica.

"Los cuatro jinetes" es una canción terrorífica que comienza con una narración que da miedo en la forma de una oración cantada, habla sobre el momento en el Cordero (Cristo) abre los sellos para liberar a los cuatro jinetes del Apocalipsis, seguido de la banda liderada por Lucas Sideras y sus tambores precisas, realmente me asusta mucho.

"El Cordero" es un instrumental con un sonido muy griego; toda la banda es perfecto y bien apoyado por un coro que añade algunas dramatismo. Casi en la misma línea pero más suave y más oscuro viene "El séptimo sello", que anuncia más terribles momentos de la humanidad, la frase "Y cuando el Cordero abrió el séptimo sello, Silencio por encima de los cielos" se reanuda el terrible mensaje.

"Egea Seal" tiene una introducción que usted podría esperar de cualquier álbum a finales de Vangelis, pero seguido de explosiones de música y narraciones.

El resto del primer CD está lleno de lamentos, tribulaciones y música de estilo griego mezclados a la perfección con el rock progresivo, tal vez a excepción de "La Bestia", que se supone sería la canción más oscura pero, paradójicamente, es la única pista de la amapola del álbum con una guitarra que recuerda a mano lenta de Clapton.

Disco 2 es incluso mejor que la primera (si esto es posible) "Siete Trompetas" es una pista de 30 segundos que anuncia literalmente la siguiente canción "Altamont", que es muy entretenido y elaborada y muestra sus grandes habilidades de Vangelis como tecladista, que sin las maravillosas excesos de Wakeman o Emerson hace un trabajo muy preciso, la voz de fondo es muy inquietante y aterrador, como cualquiera podría esperar de un álbum que describe el fin del mundo.

"Las Bodas del Cordero" es una canción extraña que mezcla cantos gregorianos con música litúrgica griega, apoyadas por percusión, otros instrumentos típicos griegos y toda la banda, confuso pero muy buena pista. La siguiente canción "La captura de la Bestia" es un tema basado en la percusión y la cadena de sonidos con algunas interrupciones típicas de teclado Vangelis.

Hablado ya acerca de "Infinity", así que no voy a hacerlo de nuevo. "Hic et Nunc" (Aquí y ahora) es una melodía de jazz que funciona como un alivio en la preparación para la canción más importante del álbum que es "Todos los asientos estaban ocupados", una épica 19:19 minutos que mezcla todas las influencias , sonidos y canciones del álbum en una sola pista todo rodeado por una atmósfera mística, de gran belleza y muy complejo representa Rock Progresivo mejor cara.

El álbum termina con la única balada llamada Break, que me suena como una contribución Roussos, no una carga, pero no es necesario tampoco, porque en mi humilde opinión 666 habría terminado a la perfección con el maravilloso "Todos los asientos estaban ocupados"

Después de 666 se registró en 1970, la banda se separó y el álbum no podría ser liberado hasta 1972 debido a muchas razones que incluyen la pista "Infinity", el concepto controvertido y una confesión inocente hecho por la banda que fueron influenciados por Sahlep, la mayoría de la gente creía que era un demonio o un fármaco cuando es sólo una bebida no alcohólica de Turquía. Hubo incluso un boicot de varias estaciones de radio, y cuando el álbum fue finalmente liberado por Vértigo (la cara aventurera de Mercurio), la banda estaba separado por dos años.

No hay otra tarifa posible para esta obra maestra imprescindible de 5 estrellas, no sólo por su calidad sino también porque estos chicos se adelantaron a su tiempo, algo inusual para una banda que había publicado anteriormente sólo dos álbumes de amapola en busca de un solo golpe.

http://www.progarchives.com/album.asp?id=5958

Para saber mas sobre el disco
http://www.vangelislyrics.com/vangelis-lyrics-collaborations/vangelis-aphrodites-child-666-the-story.htm



Post "ESTUDIO DEL SONIDO SNOB"

http://estudiodelsonidoesnob.blogspot.com.es/2011/03/aphrodites-child-666-vertigo-1972.html




Post y descarga"CUN CUN REVIVAL

http://surfingtheodyssey.blogspot.com.es/2014/12/aphrodites-child-1972-666.html

Post y descarga"BACK IN PURPLE"

http://backinpurple70.blogspot.com.es/2014/09/aphrodites-child-1971-666-greek.html

Aphrodite's Child  Demis Roussos,Vangelis, Lucas Sideras y Anargyros Koulouris 

Demis Roussos R.I.P

CON AFRODITES CHILD

EN SOLITARIO

Cockney Rebel - The Human Menagerie (1973)

Primer disco de Cockne Rebel , que contiene la que es probablemente su cancion mas famosa "Sebastian" y otra de sus grandes composiciones "Death trip"

Post y descarga de"BOZY MAKE NOYZE"

http://boyzmakenoyze.blogspot.com.es/2010/11/cockney-rebel-human-menagerie-1973.html

Nacho Vegas, el Coru el Alto la LLeva y la PAHD Asturias cantan un poema de Gloria Fuertes musicado por Vegas en una oficina de Cajastur.

SCORPIONS - BLACKOUT (1982)

Como estamos ya cansados de tanto villancico vamos con algo de rock , con este disco de La banda Alemana Scorpions que tiene detras una historia de superacion, Durante la grabación de este álbum el vocalista, Klaus Meine, tuvo problemas con sus cuerdas vocales. No alcanzaba los altos y le era muy difícil mantener el registro, que llegaron a tal gravedad que incluso a veces no podía hablar. Entonces acudió al doctor, quien le preguntó cuál era su profesión, a lo que responde cantante. El médico se rió por un instante y le aconsejó seriamente cambiar su profesión. Frustrado por los diagnósticos adversos, Meine decidió abandonar la banda.

Motivado por el apoyo de sus compañeros, Meine decidió visitar a otros especialistas en el tema; es ahí que fue a Austria donde inició un tratamiento con un doctor de vocalistas dedicados a la ópera. Después de dos exitosas cirugías en sus cuerdas vocales y un largo reentrenamiento de su voz, Klaus pasó por la crisis triunfante. Más que eso, a pesar de perder en cierta parte su nivel de agudos, regresó a las grabaciones del álbum con una voz más cristalina y con un rango vocal mucho más amplio,35 e incluso un crítico de la revista Rolling Stone mencionó "Ahora le han dado a Klaus una voz de metal"

Durante ese período y por motivos de contrato con Mercury Records, se grabó un material con la voz del vocalista y amigo de la banda, Don Dokken, la que finalmente se utilizó en las segundas voces del disco.35 Así en definitiva se lanzó en 1982 el disco Blackout que obtuvo el puesto diez en la lista Billboard Hot 100 en los Estados Unidos,36 y también obtuvo disco de platino30 y fue premiado con mejor disco hard rock del año en dicho país.

Blackout —en español: Apagón— es el octavo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, lanzado en 1982. El álbum debutó en el lugar diez en la lista Billboard 200,1 y fue certificado por la RIAA con disco de oro el 24 de junio de 1982 y con disco de platino el 8 de marzo de 1984.2 Además fue elegido mejor disco de hard rock del año en el mercado estadounidense.

El disco contiene algunos de los mayores éxitos de la banda, como la canción «Blackout», las enérgicas «Dynamite» y «Can't Live Without You» y la balada «When the Smoke is Going Down». Aparte se encuentra la canción «No One Like You» el primer éxito real de la banda en los Estados Unidos, la cual obtuvo el puesto uno en la lista Mainstream Rock Chart.3

Tras la positiva recepción del disco en los charts norteamericanos, la banda se interna en los Estados Unidos con la gira promocional del disco denominada Blackout Tour, con un invitado especial, la banda británica Iron Maiden. Con el éxito en el mencionado país en sus manos son invitados al US Festival en California, siendo ovacionados por más de 325 000 personas.

La imagen de la portada del disco, es un autorretrato del artista Gottfried Helnwein y en el video musical de «No One Like You», es Rudolf Schenker, quien personifica a la imagen del disco. En 2001 el disco fue remasterizado, con un librillo de 12 páginas a todo color y fotos exclusivas.4

En 2011, el trabajo fue escogido como el mejor disco en la categoría mejor álbum de guitarra de 1982 realizado por la revista y sitio web Guitar World en base a una votación de sus lectores.

Post y descarga de "ROXXY 2 DOWNLOAD"

http://roxx2download.blogspot.com.es/2014/12/post-da-semana_27.html

Gottfried August Homilius - Oratorio de Navidad

Post y descarga de "ARPEGIO"

http://sitecitizenk.blogspot.com.es/2014/12/navidad-barroca-ii.html

Joe Cocker - R.I.P.

Blue Cheer – Vincebus Eruptum (1968)

Vincebus Eruptum es álbum de debut de Blue Cheer . Publicado el 16 de enero de 1968, el álbum cuenta con un atronador sonido blues rock, que más tarde serían conocidos como heavy metal ​​. También contiene elementos de acid rock , grunge , el rock experimental , blues rock , stoner rock y punk rock . Un éxito comercial y crítico, Vincebus Eruptum alcanzó el puesto número 11 en el Billboard 200 Albums y dio lugar a la cubierta superior hit-20 de Eddie Cochran 's " Summertime Blues ". Se alabado como uno de los primeros metales pesados ​​álbumes.

Blue Cheer fue una banda estadounidense de rock  que inicialmente realizó y grabó a finales de 1960 y principios de 1970 y estuvo esporádicamente activo hasta 2009. Con sede en San Francisco , Blue Cheer jugó un importante papel en un psicodélico blues-rock estilo, y también se le cuenta por ser pioneros de metal pesado (su versión de " Summertime Blues "es a veces citado como el primero en el género , punk rock , stoner rock , doom metal , rock experimental , y el grunge .  De acuerdo con Tim Hills en su libro, Las varias vidas del salón de Cristal , "Blue Cheer fue el epítome de la psicodelia de San Francisco." Jim Morrison de The Doors llama el grupo " La banda más poderosa que he visto en mi vida "  y Eric Clapton los definió como "probablemente los creadores del heavy metal".

"Blue Cheer" era el nombre de una variedad de LSD  la banda fue nombrado probablemente para eso (aunque el nombre existía antes, como el nombre de un detergente para la ropa para el que la variedad LSD sí mismo fue nombrado).

Post y descarga de "PLANET ROCK"

http://planetabrasilrock.blogspot.com.es/2014/12/blue-cheer-vincebus-eruptum-1968.html

TEN YEARS AFTER - CRICKLEWOOD GREEN 1970

Para mi el mejor album de Ten Years After, banda injustamante olvidada, con el gran Alvin Lee como compositor de todos los temas y como no a la guitarra.

Cricklewood Green es el cuarto álbum de rock blues banda Ten Years After , lanzado en 1970.

Contiene dos de sus mejores clasicos 50,000 Miles Beneath My Brain

y Love Like a Man

Post y descarga de "BLOG NEANDERTHAL"

http://blogneanderthal.blogspot.com.es/2014/04/ten-years-after-cricklewood-green.html

The Strawbs - "Hero and Heroine" (1974)

Hero and Heroine es probablemante uno de los mejores discos de la banda inglesa The Strawbs, es un disco que fluye de principio a fin sin ningun corte malo que socabe la unidad del disco,

 Compuesto despues de la gira del anterior album que casi provoca la disolucion total del grupo
,Dave Cousins y Dave Lambert , los unicos que quedaron de la formacion original junto con los nuevos fichajes , John Hawken al organo ,Chas Cronk al bajo y Rod Coombes a la bateria. Se pusieron enseguida a grabar el album, un album alejado del folk que habia marcado los inicios del grupo y haciendo un disco mas progresivo y simfonico .



Las canciones son faciles de escuchar accesibles , pero con una profundidad subyacente que desmiente su aparente simplicidad.

Musicians

Dave Cousins (vcls, ac/el gtrs)
Dave Lambert (vcls, ac/el gtrs)
John Hawken (pno, el pno, org, Mell, synth)
Chas Cronk (bs, synth, vcls)
Rod Coombes (drms, perc, vcls)


Track listing

1 Autumn: Heroine's Theme; Deep Summer's Sleep; (Hold On To Me) The Winter Long (Hawken)/(Cousins)/(Cousins)
2 Sad Young Man (Coombes)
3 Just Love (Lambert)
4 Shine On Silver Sun (Cousins)

1 Hero And Heroine (Cousins)
2 Midnight Sun (Cronk/Cousins)
3 Out In The Cold (Cousins)
4 Round And Round (Cousins)
5 Lay A Little Light On Me (Cousins)
6 Hero's Theme (Lambert)

bonus tracks (A&M re-issue only)
Still Small Voice (hitherto unreleased)
Lay A Little Light On Me (early version)
Sleeve Notes

Produced by Dave Cousins and Tom Allom
Engineering Tom Allom and Freddy Hansson
Recorded at Rosenberg Studios, Copenhagen in November 1973

Sleeve information
Sleeve printed and made in England by MacNeill Press Ltd London SE 1
Art Director Michael Doud (London)
Photography Tony Evans

Other sleeve information
A & M Records Ltd address quoted as A & M House, 136/138 New Kings Road, London SW6 4LZ

The sleeve carries the following verse :

While storm clouds gathered high above
The Heroine he grew to love
Turned slowly to a snow white dove
And spread her wings to fly
Crushed and broken in the end
Hero watched his soul ascend
Knowing that he was condemned
To sail all alone to die


Post y descarga de "OLDROCK NEWS"

http://oldrocknews.blogspot.com.es/2014/05/the-strawbs-hero-and-heroine-1974-uk.html

Zager and Evans "In The Year 2525 (Exordium & Terminus)"

A pesar de la impresión que se podría obtener de las películas y la televisión , la banda sonora real de finales de 1960 América no fue completamente monopolizado por consentidos de la contracultura . Hollywood ciertamente nos ha condicionado a esperar una canción de Jimi Hendrix , Jefferson Airplane , Creedence Clearwater Revival o Buffalo Springfield cada vez que vemos imágenes de hippies en Haight -Ashbury o helicópteros en los cielos de Vietnam . Sin embargo, un vistazo a las listas de éxitos de 1969 revela un paisaje musical que era mucho más diversa y . De hecho , cuando la mitad de un millón de niños se amontonaron en sus coches para el largo viaje a casa de Woodstock , la canción que probablemente se estaba reproduciendo cuando se hace clic en sus radios de AM no fue " Purple Haze ", "White Rabbit ", Probablemente fue "en el año 2525 ( Exordium & Terminus ) " por Zager y Evans - el gran éxito monumental que gobernó las cartas y ondas radiales durante casi todo el verano antes de que , finalmente, poner fin a su carrera en el # 1 el 22 de agosto el 1969.

Por el single titulado pesadamente que primero entró en las listas en junio de '69 , dijo la revista Time , " Esta balada futurista suena como si estuviera compuesta por una computadora en la Rand Corporation . " De hecho, fue compuesta por Denny Zager y Rick Evans , las estrellas más grandes jamás emergen de la Lincoln , Nebraska , circuito motel de salón . Con "En el año 2525 ( Exordium & Terminus ) , " Zager y Evans introdujo una visión trippy , distópica de un futuro sin comida sin brazos que predijo de todo, desde el colapso del medio ambiente a la clonación humana .

Zager y Evans nunca regresaron a las listas de éxitos después de su debut triunfal en el verano del '69 . Tampoco nunca explicanron lo que significaban " Exordium y Terminus " . En su breve carrera , sin embargo , pasaron más tiempo en la cima de las listas de éxitos (seis semanas ) que el mencionado Hendrix . Al igual que muchas estrellas cuyos éxitos no han resistido el paso del tiempo, sin embargo , han sido casi borrados de la memoria cultural .