me he decidido a hacer este blog depues de el cierre por el FBI de megaupload.para hacer de eco de esos blogs que han puesto en libre conocimiento de todos joyas de la musica que sin este medio no conoceriamos.puesto que internet tal y como lo conocemos parece que esta apunto de desaparecer y antes de la llegada de internet 2.0 se difundan estas obras que no encontraras jamas en tu tienda de discos.
Disco iconico y muy influyente en la escena posterior, muy bien valorado tanto por critica como publico que lo convierten en un album de culto.
Es un disco oscuro de lo que se llamo post punk y para algunos el primer paso en el rock gotico, disco que necesita varias escuchas pero que deje huella, muy recomendable.
wiki
Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Gran Manchester. Originalmente llamada Warsaw, la banda estuvo formada por Ian Curtis (voz y en ocasiones guitarra), Bernard Sumner (guitarra y teclados),1 Peter Hook (bajo y coros) y Stephen Morris (batería y percusión).
Joy Division evolucionó de sus influencias punk rock iniciales, (de acuerdo con el crítico musical Jon Savage "no era punk pero estaba directamente inspirada por su energía")2 para posteriormente desarrollar un sonido y un estilo del cual fue pionero llamado post-punk junto con bandas como Siouxsie & the Banshees y The Cure pues no solo poseían un sonido siniestro, sino que sus letras estaban obsesionadas con la desesperación y la muerte, productos de la epilepsia que padecía su vocalista Ian Curtis.
Su EP debut, An Ideal for Living, atrajo la atención de Tony Wilson, una personalidad de la televisión de Mánchester. El álbum debut de Joy Division, Unknown Pleasures, fue lanzado en sello discográfico de Wilson, Factory Records, y provocó la aclamación de la crítica británica. A pesar del creciente éxito de la banda, el vocalista Ian Curtis fue afectado por la depresión y por problemas personales, incluyendo la disolución de su matrimonio y sus agudas crisis de epilepsia. Curtis encontraba cada vez más difícil presentarse en vivo, y a menudo tenía convulsiones durante sus espectáculos.
En mayo de 1980, en la víspera de la primera gira de la banda por Estados Unidos, Ian Curtis, abrumado por su depresión, se suicidó ahorcándose en su cocina. Joy Division lanzó póstumamente su segundo álbum, Closer (1980), y el sencillo "Love Will Tear Us Apart" se convirtió en su lanzamiento más exitoso en los rankings. Después de la muerte de Curtis, los miembros restantes de la banda formaron New Order.
Que mejor manera de comenzar el año con el arte total, una opera , en este caso la obra maestra de Verdi sobre la dama de las camelias de Alejndro Dumas hijo.
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La Traviata (título original en italiano) es una ópera en tres actos con música de Giuseppe Verdi y libreto en italiano de Francesco Maria Piave, basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias (1852), aunque no directamente sino a través de una adaptación teatral. Originariamente lo titularon Violetta, por el personaje principal.
Piave y Verdi querían seguir a Dumas dándole a la ópera una ambientación contemporánea, pero las autoridades de La Fenice insistieron en que se ambientara en el pasado, "h. 1700". No fue hasta la década de 1880 que se respetaron los deseos originales del compositor y del libretista y se representaron producciones "realistas"
Fue estrenada, sin éxito, en el teatro La Fenice de Venecia el 6 de marzo de 1853. El público se burló de la representación varias veces, dirigiendo sus burlas en el rol de soprano Fanny Salvini-Donatelli en el rol titular de Violetta. Salvini-Donatelli, aunque una cantante aclamada, fue considerada demasiado vieja (a los 38) y su sobrepeso de manera que no encajaba con el papel dramático de Violetta Valery quien muere de consunción. Verdi había intentado previamente convencer al gerente de La Fenice para dar el papel con una mujer joven, pero sin éxito. A pesar de todo, el primer acto encontró el aplauso al final; pero en el segundo acto, el público empezó a volverse en contra de la representación, especialmente después de cantar el barítono (Felice Varesi) y el tenor (Lodovico Graziani). Al final de la ópera, el público rio a carcajadas en vez de apreciar el final trágico. El día después, Verdi escribió a su amigo Muzio en lo que ahora se ha convertido quizás en su carta más famosa: "La Traviata anoche un fracaso. ¿Fallo mío o de los cantantes? El tiempo lo dirá."3
Después de algunas revisiones entre 1853 y mayo de 1854, que afecta principalmente a los actos II y III, la ópera se representó de nuevo en Venecia, esta vez en el Teatro San Benedetto. Esta representación fue un éxito de crítica, en gran medida debido al retrato de Violetta hecha por Maria Spezia-Aldighieri. Se estrenó en Barcelona el 25 de octubre de 1855, en el Gran Teatro del Liceo. El 24 de mayo de 1856 la versión revisada fue presentada en Her Majesty's Theatre en Londres y le siguió el 3 de diciembre de aquel año su estreno en Nueva York.
Desde entonces su popularidad ha sido constante y se ha mantenido en el repertorio hasta la actualidad. La traviata sigue siendo muy importante, dentro del repertorio operístico estándar y aparece como la número 1 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo para el período 2007/08-2011/12,4 la primera de Italia y de Verdi.
Con La Traviata, Verdi alcanzó un estilo maduro, con mayor hondura en la descripción de los personajes, mayor solidez en las construcciones dramáticas, y una orquesta más importante y rica.
Es una obra atípica dentro de la producción de Verdi por su carácter realista. No refiere grandes hechos históricos, como Nabucco, ni está basada en tragedias como Macbeth, sino que es un drama psicológico de carácter intimista. Fue la primera ópera en el cual los actores usaron trajes contemporáneos de la época (smoking y vestidos largos de dama a la usanza francesa o inglesa) ya que hasta ese momento, las óperas siempre usaban trajes históricos, correspondiente a siglos pasados u otras civilizaciones (tal como pasó en Aida donde usaban ropas del antiguo Egipto, Nabucco del antiguo Israel o Rigoletto que evocaba al siglo XVI del norte de Italia).
Argumento
Lugar: París y sus afueras.6
Época: Alrededor de 1850.
Está dividida en 3 actos que respetan la estructura tradicional de presentación, desarrollo y desenlace. El eje dramático de la ópera está centrado en la protagonista, Violeta Valery, a diferencia de la novela de Alejandro Dumas centrada en su amante Alfredo Germont, y hace de ella un retrato aún más idealizado, mostrándola como un ser casi angelical. Acto I
El salón en casa de Violeta
Violeta Valery, una famosa cortesana, da una lujosa fiesta en su salón de París para celebrar su recuperación de una enfermedad. Uno de los últimos en llegar a la fiesta es Gastón, un conde, que llega acompañado de su amigo, el joven noble Alfredo Germont, que hacía tiempo que deseaba conocer a Violeta pues la adoraba desde lejos. Mientras pasea por el salón, Gastón le dice a Violetta que Alfredo la ama, y que mientras ella estaba enferma, él la visitó cada día. Alfredo, una vez presentados, le expresa su preocupación por su delicada salud, y luego le declara su amor.
El barón, actual amante de Violetta, espera cerca para llevarla al salón donde le piden al barón que haga un brindis, pero él lo rechaza, y la gente se vuelve a Alfredo (Alfredo, Violetta, coro: Libiamo ne' lieti calici (Brindis).
Desde la habitación vecina, se oye el sonido de la orquesta y los invitados se mueven allí para bailar. Sintiéndose mareada, Violetta pide a sus invitados que vayan por delante y la dejen descansar hasta que se recupere. Mientras los invitados bailan en la habitación próxima, Violetta mira su pálida cara en el espejo. Alfredo entra y expresa su preocupación por su frágil salud, declarando más tarde su amor por ella (Alfredo, Violetta: Un dì, felice, eterea – "El día que te conocí"). Al principio, Violeta lo rechaza porque su amor no significa nada para ella, pero hay algo en Alfredo que le llega al corazón. Cuando él se marcha, le regala una camelia, diciéndole que regrese cuando la flor se haya marchitado. Ella le promete reunirse con él al día siguiente.
Después de que los invitados se han marchado, Violeta analiza la posibilidad de una relación con amor verdadero (Violetta: Ah, fors'è lui – "Quizá sea él"). Pero finalmente desecha la idea. Ella necesita ser libre para vivir su vida, día y noche, de un placer a otro (Violetta: Sempre libera – "Siempre libre"). Desde fuera del escenario, la voz de Alfredo se oye cantando sobre el amor conforme baja por la calle. Acto II Escena 1: En la casa de campo de Violetta en las afueras de París
Tres meses después, Alfredo y Violeta llevan una existencia tranquila en una casa de campo, en las afueras de París. Violeta se ha enamorado de Alfredo y ha abandonado completamente su anterior estilo de vida. Alfredo canta su vida feliz juntos (Alfredo: De miei bollenti spiriti – "De mis salvajes sueños de éxtasis"). Annina, la doncella, llega desde París, y, cuando Alfredo le pregunta, le dice que ella fue allí a vender los caballos, los carruajes y todo lo que Violetta posee para apoyar su estilo de vida en el campo.
Alfredo queda abrumado de saber esto y se dirige a París inmediatamente para corregir la situación él mismo. Violetta regresa a casa y recibe una invitación de su amiga Flora, a una fiesta en París aquella tarde. El padre de Alfredo, Giorgio Germont, llega a la casa y exige a Violeta que rompan su relación con su hijo por el bien de su familia, pues la suerte de su hermana han sido destruidas por su conexión con ella, ya que su reputación como cortesana compromete el nombre Germont (Giorgio: Pura siccome un angelo – "Tengo una hija pura como un ángel"). Mientras tanto, él queda impresionado por la nobleza de Violetta, algo que no esperaba de una cortesana. Ella le responde que no puede poner fin a su relación porque lo ama mucho, pero Giorgio le ruega por el bien de la familia. Violeta escucha, con un creciente remordimiento, las patéticas palabras del señor Germont y finalmente se muestra conforme (Violetta, Giorgio: Dite alla giovine – "Di a esa niña tuya") y dice adiós a Giorgio. En un gesto de gratitud por su bondad y sacrificio, Giorgio besa su frente antes de dejarla a solas llorando.
Decide abandonar a su amado. Violetta deja una nota a Annina para enviarla a Flora aceptando la invitación a la fiesta y, mientras escribe su carta de despedida a Alfredo, entra éste. Apenas puede controlar su tristeza y lágrimas; le habla repetidamente de su amor incondicional (Violetta: Amami Alfredo – "Ámame, Alfredo"). Antes de apresurarse fuera e ir a París, entrega la carta de despedida a su sirviente para que se lo entregue a Alfredo.
Pronto, los sirvientes le llevan la carta a Alfredo y, tan pronto como la ha leído, Giorgio regresa e intenta reconfortar a su hijo, recordándole a su familia en Provenza (Giorgio: Di Provenza il mar – "En Provenza"). Alfredo sospecha que el barón está detrás de su separación con Violetta y la invitación a la fiesta, que ella encuentra en la mesa, fortaleciendo sus sospechas. Decide enfrentarse a Violetta en la fiesta. Giorgio intenta detener a Alfredo, pero él sale apresuradamente. Escena 2: Fiesta en casa de Flora
Acto II, escena 2 de la producción de Fife Opera en 2004.
En la fiesta, el marqués le dice a Flora que Violetta y Alfredo se han separado. Pide a los animadores que interpreten para los invitados (Coro: Noi siamo zingarelle – "Somos jóvenes gitanos"); (Coro: Di Madride noi siam mattadori – "Somos toreros de Madrid"). Gastone y sus amigos se unen a los toreros y cantan (Gastone, coro, bailarines: E Piquillo, un bel gagliardo – "Fue Piquillo, tan joven y gallardo").
Para ahogar su pena, Violeta, se consume aún más profundamente en su libertinaje. Llega al barón Douphol. Ven a Alfredo en una mesa de juego. Cuando él la ve, Alfredo proclama en voz alta de que se llevará a Violetta a casa con él. Sintiéndose enojado, el barón se acerca a la mesa de juego y se une a él en el juego. Conforme apuestan, Alfredo gana grandes cantidades de dinero hasta que Flora anuncia que la cena está preparada. Alfredo se va con puñados de dinero.
Mientras está abandonando la habitación, Violetta ha pedido a Alfredo verla. Temiendo que la ira del barón le llevará a desafiar a Alfredo a un duelo, ella amablemente le pide a Alfredo que se marche. Alfredo confunde sus temores y se enfrenta a ella, exigiéndole que admita que ella ama al barón. Dolorida, ella lo admite y, furioso, Alfredo llama a los invitados para testificar lo que él tiene que decir (Questa donna conoscete? – "¿Conocéis a esta dama?"). La deshonra tirándole dinero que dice le debe por los servicios prestados mientras vivieron juntos, enfrente de los invitados. Violeta se desmaya abrumada por la enfermedad y la pena. Los invitados riñen a Alfredo: "Vete de una vez, te despreciamos. Has insultado a una noble dama".
En busca de su hijo, Giorgio entra en el salón y, sabiendo el significado real de la escena, denuncia el comportamiento de su hijo (Giorgio, Alfredo, Violetta, coro: Di sprezzo degno, se stesso rendo – "Merecedor de desprecio es el hombre").
Flora y las damas intentan convencer a Violetta para que abandone el salón, pero Violetta se vuelve hacia Alfredo: Alfredo, Alfredo, di questo cuore non puoi comprendere tutto l'amore – "Alfredo, Alfredo, no puedes imaginarte el amor que hay en mi corazón por ti". Acto III En la habitación de Violeta
Algunos meses después de la fiesta, Violeta yace en cama debido al avance de la tuberculosis. El doctor Grenvil le dice a Annina que Violetta no vivirá mucho puesto que su tuberculosis ha empeorado. A solas en su habitación, Violetta lee una carta del señor Germont, en la que le dice que el barón sólo fue herido en su duelo con Alfredo; que ha informado a Alfredo del sacrificio que Violeta ha hecho por él y su hermana; y que él envía a su hijo a verla tan pronto como sea posible para pedir su perdón. Pero Violetta siente que es demasiado tarde (Violetta: Addio del passato – "Así se cierra mi triste historia").
Annina se apresura a la habitación para decir a Violetta que ha llegado Alfredo. Los amantes quedan reunidos y Alfredo sugiere que ellos abandonarán París (Alfredo, Violetta: Parigi, o cara , noi lasceremo – "Querida, dejaremos París" ).
Pero es demasiado tarde: ella sabe que su tiempo se ha agotado (Alfredo, Violetta: Gran Dio! morir si giovane – "¡Oh, Dios! Morir tan joven"). El padre de Alfredo entra con el doctor, lamentando lo que ha hecho. Después de cantar un dúo con Alfredo, Violetta revive rápidamente, exclamando que el dolor y la incomodidad la han abandonado. Un momento después, ella muere en brazos de Alfredo.
Música[editar · editar código]
El preludio está integrado musical y dramáticamente al resto de la opera. En él se reproduce musicalmente el recurso utilizado por Alejandro Dumas de comenzar la novela por el final de la historia, al presentar inicialmente el tema de la agonía de Violeta, profundamente triste, seguido del tema de amor.
Lentamente, la música se va animando sin perder el tono melancólico hasta concluir enlazándose con el clima festivo que estalla al comienzo del primer acto.
Uno de los momentos más brillantes y célebres de la ópera es la escena del brindis “Libiamo ne' lieti calici” al comienzo del primer acto. Se trata de una escena de conjunto, que sirve de marco para el momento de seducción entre Violeta y Alfredo. Verdi sutilmente diferencia distintos planos musicales para separar a los amantes del resto de la gente. Dicha aria es interpretada al finalizar muchas Galas Líricas, donde se presenten cantantes de ópera.
El tono orgulloso de Alfredo en el brindis se transforma a través de una línea melódica entrecortada y anhelante al comienzo del dúo de amor, antes del apasionado tema de amor de Alfredo, verdadero centro emocional de toda la obra. La respuesta de Violeta es un canto de coloratura, superficial que contrasta con el de Alfredo y la muestra distante de los sentimientos de aquél, hasta que paulatinamente las líneas melódicas se unen sellando el definitivo encuentro entre ambos (dueto "Un dì, felice, eterea)
El acto continúa con Violeta, sola, meditando si sería para ella una desventura un verdadero amor ("E Strano!" "Ah! Fors'e lui"), pero concluye con que ella no puede amar y debe ser siempre libre (“Sempre libera”), aunque en el segundo acto la veamos viviendo plácidamente con Alfredo.
Al comienzo del acto segundo, el aria de Alfredo “De miei bollenti spiriti” muestra su agitación emocional reforzada por el pizzicato de las cuerdas.
El punto de inflexión de todo el desarrollo dramático de la ópera reside en la escena entre Violeta y Germont, en la cual este trata de convencerla por todos los medios a su alcance de que abandone a Alfredo. Arias como “Pura siccome un angelo”, en la que Violeta recupera su melodía entrecortada, “Un dí quando le veneri” en la que Germont canta 4 notas seguidas de un adorno, motivo que repite insistentemente para conseguir su propósito de convencer a Violeta, y el “Dite alla giovine”, en la que se alcanza el punto culminante con el conmovedor “piangi” de Germont acompañado del lamento de las cuerdas, se suceden describiendo musicalmente los cambios que van sufriendo estos personajes, especialmente en Violeta a través de variaciones en la línea melódica.
Finalmente, al despedirse de Alfredo lo hace con el tema de amor del preludio, que se escucha en un tutti orquestal con un fuerte sentido dramático, el aria "Amami Alfredo!"
El preludio al acto tercero subraya el tono sombrío de la situación.
El aria “Addio del passato” termina con una plegaria donde Violeta le pide a Dios piedad para “la traviata”, la extraviada, lo cual finalmente le dará el título a la ópera.
El reencuentro de los amantes se sella con el dúo de amor “Parigi, o cara, noi lasceremo”
Es de destacar al comienzo de este acto el solo de violín ejecutando el tema de amor de Alfredo, acompañado solo por un trémolo de las cuerdas, mientras que se escucha la voz de Violeta leyendo la carta de Germont, ("Teneste la Promesa") recurso que también aparece al final del acto. El uso de la voz hablada como recurso dramático le permite a Verdi entrar de lleno en el realismo, dotando a esta escena de una sobrecogedora dimensión trágica. La obra termina con el "Prendi quest´e L'Immagine", en el que Violeta muere
En el año 2010, la música de La Traviata se adaptó para Ballet.
Fun House es el segundo álbum de estudio dela banda de rock estadounidense The Stooges . Fue lanzado el 7 de julio 1970 por Elektra Records . Aunque comercialmente fue un fracaso en sus incicios Fun House desarrolló un fuerte seguimiento de culto y, al igual que su sucesor (de 1973 Raw Power ), que generalmente se considera fundamental en el desarrollo del punk rock.
Como aperitivo la cancion mas famosa del disco TV EYE.
Post y descarga de"THE LAKE BAND"The Stooges - Fun House (1970) [Special Edition]
Golpes Bajos fueron uno de esos grupos, únicos, mágicos, con canciones imbatibles , La dupla que formaron Germán Coppini y el genial multiinstrumentista Teo Cardalda fue uno de esos raros casos de perfección artística,las geniales texturas y arreglos musicales de Teo fueron el complemento perfecto a la complejidad lírica que nos planteaba Coppini en cada canción,En su corta existencia (1983-85) editaron dos mini-LPs ("Golpes Bajos" y "Devocionario") y un álbum de larga duración ("A Santa Compaña"), todos ellos absolutamente imprescindibles.
A principios de los años 80 la música popular española estaba llegando a su punto de ebullición, después de haber estado cociéndose al ritmo impuesto por las corrientes contraculturales que crecieron con el abono proporcionado por el fallecimiento de Franco. A la dichosa Movida Madrileña -por ser un término excesivamente usado- se le iban sumando poco a poco distintos movimientos en el resto de España. El más representativo de todos fue La Movida Viguesa, que se podría decir que empezó cuando el grupo Mari Cruz Soriano y los que Arreglan su Piano cambio su nombre en 1981 a Siniestro Total. Siniestro Total empezó como un trío formado por Miguel Costas (voz), Alberto Torrado (guitarra eléctrica, bajo y coros) y Julián Hernández (sintetizador). Al trío se les unió rápidamente Germán Coppini, que sustituyó en las voces a Miguel Costas, quién pasó a la guitarra y coros, mientras que Alberto Torrado se quedó solo con el bajo y coros y Julián Hernández se pudo encargar de la batería. Con esta formación grabaron su primer disco “¿Cuándo se Come Aquí?” (DRO, 1982).
En ese mismo año Germán Coppini empieza a colaborar, al principio sólo como mero entretenimiento, con el compositor y multi-instrumentista Teo Cardalda. El dúo decide llamarse Golpes Bajos y empieza a componer canciones, Coppini las letras y Cardalda la música. Ya en 1983 se presentan a la 1ª edición del concurso de maquetas de la revista Rock Espezial (actualmente Rockdelux) quedando en primer lugar. Gracias a este éxito Coppini empezó a pensar seriamente en la posibilidad de abandonar Siniestro Total para dedicarse a tiempo completo a Golpes Bajos.
Los hechos se precipitaron cuando, invitados al programa de televisión La Edad de Oro de Paloma Chamorro, a Coppini se le “olvida” mencionar en la entrevista el hecho de que también era miembro de cierto grupo llamado Siniestro Total. Esto hizo que Miguel Costas, Alberto Torrado y Julián Hernández decidieran invitar a Coppini a abandonar el barco y dedicarse en exclusiva a su nueva y exitosa banda. Lo cierto es que la distancia entre los planteamientos musicales de Golpes Bajos y Siniestro Total había hecho que Coppini cada día le dedicara más tiempo a Golpes Bajos y menos a Siniestro Total. El divorcio artístico ya estaba allí y lo único que hicieron los miembros de Siniestro Total fue precipitar los acontecimientos.
Con Germán Coppini pudiéndose dedicar a tiempo completo había llegado el momento de que él y Teo Cardalda dotaran de mayor entidad al grupo, sumando a sus filas el talento musical de Pablo Novoa y Luis García. Ya como cuarteto empezaron la grabación de lo que sería su primer mini-LP homónimo, “Golpes Bajos” (Nuevos Medios, 1983), para el que graban de nuevo, ya como cuarteto, tres de las cuatro canciones anteriormente incluidas en la maqueta que presentaron al concurso de la revista Rock Espezial ("No mires a los ojos de la gente", "Malos tiempos para la lírica" y "Estoy enfermo"), a las que se le añadieron dos canciones nuevas (“Lágrimas” y “Tendré que salir algún día”). La otra canción de la maqueta (“Fiesta de los maniquíes”) la reservaron para lo que sería su primer LP. En este primer trabajo quedan perfectamente reflejadas casi todas las características de lo que se puede considerar la idiosincrasia de Golpes Bajos. Las letras de Germán Coppini retratan con suma habilidad sentimientos como la paranoia, la soledad o el pavor de los adolescentes (y post-adolescentes) incomprendidos a relacionarse socialmente. La música no se queda atrás con una atractiva mezcla de sonido nuevaolero con ligeros toques funk y cierto gusto por las sonoridades exóticas.
El primer EP de la banda fue todo un éxito y ya en 1984 salió su primer y único LP, “A Santa Compaña” (Nuevos Medios, 1984), donde retratados como campesinas gallegas, Golpes Bajos termina de perfilar lo que son sus características. Germán Coppini añade a sus letras referencias literarias (en temas como “Hansel y Gretel”) y elementos de la mitología gallega como en la canción que le da título al disco. Musicalmente, profundizan en su sonido dándole mayor cuerpo a las sonoridades exóticas con percusiones abiertamente brasileñas y ampliando su abanico musical, incluso con toques de canción ligera al incluir una versión de “Come Prima” compuesta por Mario Panzeri (letra), y Vincenzo Di Paola y Sandro Taccani (música).
En 1985 Golpes Bajos publica lo que sería su último trabajo antes de disolverse: el mini-LP “Devocionario” (Nuevos Medios, 1985). El filón se estaba agotando y los primeros en darse cuenta fueron los propios miembros del grupo. Germán Coppini escribió para este mini-LP unas letras más cripticas y misteriosas pero que también resultaron ser más pretenciosas. Siguieron avanzando en las sonoridades exóticas pero sus mayores hallazgos ya los habían hecho en su primer trabajo y su único largo.
Después de Golpes Bajos cada uno siguió su camino con desigual fortuna. Coppini colaboro primero con Nacho Cano, y luego empezó una carrera en solitario con resultados bastante pobres para lo que se podría esperar de su talento. Cardalda realizo primero un maxi experimental -“Desfigurat” (Nuevos Medios, 1986)- para una coreografía de César Gilabert, y luego formo Cómplices (en un principio se llamarón Duendes) junto con su pareja María Monsonís, con gran éxito de público pero con resultados bastante exiguos desde una perspectiva artística. Como productor también ha emprendido una exitosa y prolífica carrera, pero quizás la trayectoria artística más consistente haya sido la de Pablo Novoa, que después de militar en Aerolíneas Federales, se ha convertido en uno de los músicos de sesión más respetados de España, trabajando con intérpretes de toda condición, desde Mastretta hasta Josele Santiago. Por último, Luis García pasó a tocar el bajo para el grupo Semen Up.
Como último episodio en la vida de Golpes Bajos, hubo un breve retorno en 1998, cuando Germán Coppini y Teo Cardalda reformaron el grupo con nuevos músicos. El resultado está recogido en un documental rodado por Juanma Bajo Ulloa y en el LP “Vivo” (Nuevos Medios, 1998), bastante mediocre para lo que tendría que haber sido.
La magia de los 80 se había perdido, y los pobres resultados comerciales de la reunión hicieron que se quedara todo en una resurrección temporal de la banda que tal vez habría sido mejor que nunca se hubiera producido.
Tercer album de la banda Alice Cooper y probablemente el mejor del grupo. Tras el fracaso comercial de los dos primeros álbumes de la banda, Love It To Death tuvo un buen desempeño y la trajo a la banda Alice Cooper en la corriente principal. Gran parte del mérito se da generalmente al productor Bob Ezrin , protegido del gigante record jJack Richardson , para la limpieza de sonido de la banda con nuevas ideas y lo que es más accesible, sobre todo en la pista, "I’m Eighteen". En un principio era una canción mucho más tiempo, y en más de una vena psicodélica como los dos primeros álbumes de la banda, que contenía varias canciones más largas.(algo de esto se ve en la version que os dejo en directo)
La portada del álbum causó una gran controversia en el momento de su lanzamiento. Los primeros prensados muestran el pulgar de Cooper que salen de sus pantalones, dando la ilusión de un pene expuesto (ver foto de portada). Esto llevó a Warner Brothers para censurarlo (existen cuatro versiones diferentes de la portada de LP). El pulgar de Alice Cooper, junto con su brazo derecho está claramente retocada a cabo en las versiones censuradas. El lanzamiento del CD original utiliza la cubierta LP censurado más común para la cubierta de libro.
En 2003, Love It To Death fue clasificado # 460 en la revista Rolling Stone lista de la revista de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos .
Track Listing
Side 1
1. Caught In A Dream
2. I’m Eighteen
3. Long Way To Go
4. Black Juju
Side 2
1. Is It My Body
2. Hallowed Be My Name
3. Second Coming
4. Ballad Of Dwight Fry
5. Sun Arise
Musicians:
Alice Cooper – Vocals, Harmonica
Glen Buxton – Lead Guitar
Michael Bruce – Rhythm Guitar, Keyboards
Dennis Dunaway – Bass Guitar
Neal Smith – Drums
Bob Ezrin – Keyboards
El disco con los mayores exitos de Lou en solitario en memoria de uno de los artistas mas influyentes de la musica popular.
Transformer es el segundo álbum en solitario del cantante y guitarrista estadounidense Lou Reed. Considerado como uno de sus trabajos más importantes.
David Bowie ,Iggy Pop y Lou reed
Tras los años de The Velvet Underground y su primer álbum en solitario, titulado simplemente Lou Reed, en Transformer Reed se aleja del rock experimental y se acerca al glam rock. De hecho, el álbum fue producido por David Bowie junto a Mick Ronson, estrellas del movimiento glam y amigos de Reed. Bowie también hizo arreglos y coros en este disco. Además, también cuenta con la participación de Klaus Voormann, bajista de John Lennon y colaborador de The Beatles.
El primer single del disco, "Walk on the Wild Side", fue un éxito inmediato y se ha convertido en la canción más popular de Lou Reed. Este álbum también contiene otros de los mayores éxitos de Reed, como "Perfect Day", "Vicious" y "Satellite of Love".
Todas las canciones fueron escritas por Lou Reed.
Lado Uno
"Vicious" – 2:58
"Andy's Chest" – 3:20
"Perfect Day" – 3:46
"Hangin' 'Round" – 3:35
"Walk on the Wild Side" – 4:15 Lado Dos
"Make Up" – 3:00
"Satellite of Love" – 3:42
"Wagon Wheel" – 3:19
"New York Telephone Conversation" – 1:33
"I'm So Free" – 3:09
"Goodnight Ladies" – 4:21 Bonus Tracks de la Reedición de 2002
"Hangin' Round" (demo acustico) – 3:57
"Perfect Day" (demo acustico) + Promoción Radial de "Transformer" (Track Oculto) – 4:50
Músicos
Lou Reed – Guitarra rítmica, Teclados y Voz líder
Herbie Flowers – Bajo eléctrico, Contrabajo, Tuba en "Goodnight Ladies" y "Make Up"
Mick Ronson – Guitarra líder, Piano, Coros y Arreglos de cuerdas.
John Halsey – Batería.
David Bowie - Coros.
Músicos Adicionales
Ronnie Ross – Saxo Barítono en "Goodnight Ladies" y "Walk on the Wild Side".
The Thunder Thighs – Coros.
Barry DeSouza – Batería.
Ritchie Dharma – Batería.
Klaus Voormann – Bajo.
Disco fundamental de la historia de la música Argentina, un disco conceptual iconico ,una obra de arte mistica, humanistica ,un hito de la musica escrita en español y una obra maestra inmortal.
wikipedia
La Biblia es el segundo álbum de estudio de la banda argentina de rock Vox Dei, lanzado en 1971. Este álbum doble es frecuentemente considerado un hito del rock en español y una de las primeras óperas rock en castellano. Figura #14 en la lista de los 100 mejores álbumes del rock argentino de la revista Rolling Stone.
Fue presentado con cuatro shows en el Teatro Alvear de Buenos Aires, y una gira por las ciudades más importantes de Argentina, con Ignacio Smilari reemplazando al guitarrista rítmico Juan Carlos "Yodi" Godoy.
Este trabajo ha sido interpretado en numerosas ocasiones por otros artistas, destacándose dos versiones dirigidas por Billy Bond, una de ellas con el Ensamble Musical Buenos Aires y otra en Brasil.
Vox Dei 1971
El proyecto surgió a partir de una idea de Ricardo Soulé despertada por el ambiente creativo que se vivía en la librería de Jorge Álvarez y el sello Mandioca,1 en el otoño de 1970. Luego fue trabajada por el grupo con aportes temáticos considerables de Juan Carlos Godoy2 y orquestales de Roberto Lar, y grabada a lo largo de ese año en los estudios T.N.T. de la calle Moreno en Buenos Aires, hasta enero de 1971. Comenzó a venderse en la segunda semana de marzo de 1971.
El proyecto y su realización resultan asombrosos para el contexto cultural e histórico de ese momento. En ese momento el llamado rock nacional aún se encontraba en sus inicios y se trataba de un movimiento incierto, casi sin acceso a los medios masivos de comunicación. Vox Dei era una banda relativamente recién surgida, de músicos suburbanos (Quilmes) muy jóvenes, y ajenos al mundillo fundacional del rock argentino, el cual se gestó casi exclusivamente en la Capital Federal. Finalmente la obra se proyectaba durante una dictadura que se había mostrado muy celosa en censurar obras de arte provocativas (como la ópera Bomarzo en 1967), y en un país católico con gran influencia de la Iglesia que años después hizo imposible el estreno de Jesucristo Superstar.
Al principio pensé que debía encarar los textos de la Biblia en forma dogmática. Sin poner nada de mí. Pero eso era imposible por varios motivos... Decidí entonces que tenía que jugarme. Dar un poco la cara ya que había decidido afrontar el tema. No tenía otra salida que elaborar mi propia interpretación de las escrituras. Contar lo que ocurre en La Biblia pero tal como yo lo sentí al leerla.2
La obra está enfocada desde el punto de vista humano, no desde un ángulo ortodoxamente religioso... Cuando me puse a trabajar en esto me dí cuenta que, por ejemplo, San Juan antes de ser "San" simplemente era Juan: un hombre como vos y como todos los que estamos aquí... A Jesucristo lo hago hablar como el hijo del hombre. Me da bronca que a Jesús lo hayan encarado como algo sobrenatural. Simplemente era magnífico como hombre. Siempre tuve sobre él una misma idea. Y lo trasladé a los textos de nuestra obra: me lo imagino como un muchacho con ideas radicales, revolucionarias. Pero también con debilidades.
La obra se fue componiendo a lo largo del proceso mismo de grabación. El primer tema completo fue Génesis, que fue tocada en vivo antes de terminar la ópera. Luego se terminaron Moisés y Las guerras.
La obra, compuesta durante la dictadura militar autodenominada Revolución Argentina, despertó la inquietud de la Iglesia Católica que sutilmente consiguió que el sello Mandioca se comprometiera a entregarle la letra para su control, y eventual visto bueno antes de su publicación. La tarea estuvo a cargo de Monseñor Emilio Teodoro Graselli (luego involucrado en situaciones poco claras sobre violaciones de derechos humanos ), secretario del Arzobispo de Buenos Aires, el Cardenal Antonio Caggiano, que la autorizó con palabras amables para los músicos.
A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste.
Se refería a la letra del tema Génesis.
Cuando todo era nada,
era nada el Principio.
Él era el Principio
y de la noche hizo luz.
Y fue el cielo
y esto que está aquí.
El proceso de composición y grabación simultánea de La Biblia, fue realizado bajo muchas presiones y exigencias que llevaron a fuertes enfrentamientos entre los miembros de la banda, sobre todo entre Soulé y Godoy, lo que llevó a que, terminada la grabación Godoy abandonara la banda y desapareciera del mundo del rock.
El historiador del rock argentino Marcelo Fernández Bitar ha definido con estas palabras su opinión sobre el impacto de la Biblia según Vox Dei:
La Biblia es una obra conceptual casi única en el mundo, un clásico local que permanece vigente en fogones de guitarreadas y ventas de versiones, reversiones y reediciones.1
En medio de la grabación del álbum, Mandioca (el sello de la banda) quebró y las cintas finalmente quedaron en poder de la grabadora Disc Jockey, donde ensayaba el grupo. Fue Disc Jockey la compañía que mandó a imprimir los discos antes de que se terminara la grabación, cometiendo dos graves errores: dejar inconclusa Apocalipsis, e imprimir la tapa erróneamente confundiendo Libros sapienciales con Profecías, lo que dio lugar a una masiva equivocación.
En el interior del LP y en la parte trasera de las re-ediciones en CD figura un texto escrito por Soulé, no incluido en ninguna de las canciones, que refleja los sentimientos de la banda al componer e interpretar su propia versión de La Biblia:
Siento que crezco
y que subo
y que me veo por dentro
y me toco y me reconozco
y que a mi lado estoy yo
que me hablo y me entiendo
y que ahora soy sueño
y me acerco y no muero.
Al lado del texto hay un dibujo en tinta realizado por Willy Quiroga, inspirado en el poema al que interpretó como una manifestación del «conócete a ti mismo», en el que puede verse un hombre con pies-raíces y sus manos elevadas hacia el cielo con forma de ramas.
Todas las canciones fueron compuestas por Ricardo Soulé, Willy Quiroga y Juan Carlos Godoy. Poemas de Ricardo Soulé.
La Sinfonía n.º 9 en mi menor, Op. 95 (1893), también conocida como Sinfonía desde el Nuevo Mundo o Sinfonía del Nuevo Mundo (en checo: Novosvětská), es posiblemente la sinfonía más conocida de Antonín Dvořák. Fue compuesta en 1893 durante la estancia del compositor en Estados Unidos.
wikipedia
En junio de 1891 Jeanette Thurber, fundadora del Conservatorio Nacional de Música de América en Nueva York, ofreció a Dvořák la dirección de este centro en condiciones muy favorables. Fue por ello por lo que, en septiembre de 1892, el compositor se trasladó a Estados Unidos desde 1892 hasta 1895. Durante su estancia en el país compuso la Sinfonía n.º 9 en mi menor, conocida como "Del Nuevo Mundo". Dvořák compuso esta obra entre el 10 de enero y el 24 de mayo de 1893 y se estrenó el 15 de diciembre del mismo año en el Carnegie Hall de Nueva York, dirigiendo Anton Seidl la Orquesta Filarmónica de la ciudad.
Antonin Dvórak
Dvořák estaba interesado en música americana nativa y los espirituales afroamericanos que escuchó en Estados Unidos. A su llegada a América declaró:
«Estoy convencido de que el futuro de la música en este país debe basarse en lo que se llama 'negro melodies'. Estas pueden ser el fundamento de una escuela seria y original de composición, a desarrollar en los Estados Unidos. Estos hermosos y variados temas son producto de la tierra. Son las canciones folclóricas de América y los compositores americanos deben recurrir a ellas.»1
Un día antes de su estreno, en un artículo publicado en el New York Herald el 15 de diciembre de 1893, Dvořák explicó cómo la música nativa americana había sido una influencia en esta sinfonía:
«En realidad no he utilizado ninguna de las melodías de los nativos americanos. Simplemente he escrito temas originales que incorporan las peculiaridades de la música indígena y usando estos temas como sujetos, los he desarrollado con todos los recursos del ritmo, el contrapunto y el color orquestal modernos.2
En el mismo artículo, Dvořák afirmó que veía en el segundo movimiento un boceto o estudio para un trabajo posterior, quizá una cantata o una ópera que estarían basadas en La canción de Hiawatha, de Longfellow", aunque nunca escribió semejante pieza. También escribió que el scherzo del tercer movimiento "le sugería la escena de la fiesta en Hiawatha, donde bailan los indios".
A pesar de todo esto, se suele considerar que, como muchas otras de las obras de Dvořák, este trabajo tiene más en común con la música popular de su Bohemia natal que con los Estados Unidos. Leonard Bernstein afirmó que la obra era realmente multirracial en sus bases.
Instrumentación
Esta sinfonía fue hecha para una orquesta compuesta por:
2 flautas (una tocando además el flautín),3 2 oboes (uno tocando además el corno inglés), 2 clarinetes en La, 2 fagots, 4 trompas en Mi y Do, 2 trompetas en Mi, 2 trombones tenor, trombón bajo, tuba, timbal, triángulos, platillos y la sección de cuerda de la orquesta.
La obra tiene cuatro movimientos:
1 Adagio, 4/8 - Allegro molto, 2/4 en mi menor
2 Largo, 4/4 en re bemol mayor, más tarde en do sostenido menor
3 Scherzo: Molto vivace - Poco sostenuto, 3/4, en mi menor
4 Allegro con fuoco, 4/4 en mi menor y luego termina en mi mayor
Uno de los discos fundamentale del rock progresivo (para algunos el primero) uno de lo discos mas revolucionarios de la musica popular y tambien uno de los mas maravillosamente melancolicos en definitiva un monumento de disco que ya desde su inolvidable portada nos atrapa para siempre.
Para hacerse una idea de la influencia de este magno disco dejo el post de un blog de Heavy Metal.
De origen campesino, heredó de su madre la afición por la música. Al ser abandonados por el padre, la familia se trasladó a Santiago, a una cité en la población Los Nogales. A los 15 años quedó huérfano e ingresó en el Seminario Redentorista de San Bernardo. Allí permaneció dos años. En 1957 entró en la Escuela de Teatro de la Universidad de Chile. En esa época conoció a Violeta Parra, que lo acogió como discípulo.
En 1960 recibió el título de director teatral y pasó a formar parte del directorio del Instituto del Teatro de dicha casa de estudios. Dirigió varias obras de teatro y obtuvo el Premio Laurel de Oro como mejor director del año. En 1967 fue invitado a Gran Bretaña, donde recibió otro premio por su dirección teatral. Estando allí compuso una de sus canciones más conocidas, Te recuerdo Amanda, dedicada a sus padres Amanda y Manuel.
En 1968 pasó a ser el director artístico del conjunto de música popular Quilapayún. En 1967 publicó su primer álbum musical, titulado Víctor Jara. Su segundo álbum, Pongo en tus manos abiertas (1969), coincidió con el respaldo que prestó a la candidatura de la Unidad Popular de Salvador Allende como militante de las Juventudes Comunistas. En 1970 publicó Canto libre, El derecho de vivir en paz y La población, creaciones de gran belleza y fuerza poética que lo convirtieron en uno de los máximos exponentes del resurgimiento y la innovación de la canción popular en Latinoamérica.
Sus canciones trataban sobre su pueblo y sus problemas, en la línea de los cantautores de la época; con todo, su éxito internacional las llevó más allá de su Chile natal para ser cantadas en cualquier manifestación progresista o concentración universitaria de otros tantos países, particularmente en la España de la transición.
Durante el período de gobierno de Allende fue nombrado embajador cultural del gobierno, en cuyo cargo desarrolló una amplia labor hasta la fecha de su muerte. Estaba casado con la bailarina inglesa Joan Turner, quien había sido su profesora de expresión corporal en la Universidad de Chile.
Fuertemente comprometido con su entorno político, su compromiso acabó costándole la vida. Tras el golpe de estado del general Augusto Pinochet, acaecido el 11 de septiembre de 1973, se encerró con otros universitarios en la Universidad Técnica del Estado, en Santiago, para mostrar su repudio y voluntad de resistir; sin embargo, el ejercito tomó pronto las instalaciones y llevó prisionero a Jara al Estadio Nacional de Santiago de Chile, donde fue brutalmente torturado y asesinado el 16 de septiembre.
En septiembre de 2003, al cumplirse treinta años del golpe militar, el gobierno chileno rebautizó al estadio con el nombre de Estadio Nacional Víctor Jara. A mediados de 2008 se reabrió la investigación judicial sobre su asesinato; el teniente coronel Mario Manríquez fue acusado del homicidio.
El derecho a vivir en paz es el cuarto album de Victor Jara, y el titulo de un documental sobre su vida de la periodista Carmen Luz Parot
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