me he decidido a hacer este blog depues de el cierre por el FBI de megaupload.para hacer de eco de esos blogs que han puesto en libre conocimiento de todos joyas de la musica que sin este medio no conoceriamos.puesto que internet tal y como lo conocemos parece que esta apunto de desaparecer y antes de la llegada de internet 2.0 se difundan estas obras que no encontraras jamas en tu tienda de discos.
Obra basica del rock
Born in the U.S.A. es el séptimo álbum de estudio del músico estadounidense Bruce Springsteen, publicado por Columbia Records en 1984.
En contraste con su anterior álbum, Nebraska, Born in the U.S.A. sirvió como plataforma de lanzamiento de canciones más populares y como primer álbum de experimentación con sintetizadores. El álbum alcanzó el primer puesto en las listas de Billboard el 7 de julio de 1984, permaneciendo en él hasta el 4 de agosto. Asimismo, supone el álbum con mayores ventas de la carrera musical de Springsteen, alcanzando las 15.000.000 de copias tan sólo en los Estados Unidos. Supuso también un éxito de crítica al ser votado como el álbum del año por las encuestas Pazz & Jop de The Village Voice. En 1989, la revista musical Rolling Stone emplazó a Born in the U.S.A. en el puesto #6 de los 100 Mejores Álbumes de los Años 80.
Born in the U.S.A. fue el primer disco compacto en ser manufacturado en los Estados Unidos, al abrir CBS la primera planta de manufacturación en Indiana en 1984. Hasta entonces, los discos compactos habían sido importados desde Japón.
Todas las canciones escritas por Bruce Springsteen.
1. "Born in the U.S.A." – 4:39
2. "Cover Me" – 3:27
3. "Darlington County" – 4:48
4. "Working on the Highway" – 3:11
5. "Downbound Train" – 3:35
6. "I'm on Fire" – 2:37
7. "No Surrender" – 4:00
8. "Bobby Jean" – 3:46
9. "I'm Goin' Down" – 3:29
10. "Glory Days" – 4:15
11. "Dancing in the Dark" – 4:00
12. "My Hometown" – 4:34
The E Street Band
Bruce Springsteen – lead vocals, lead guitar, acoustic guitar
Roy Bittan – piano, synthesizer
Clarence Clemons – saxophone, percussion
Danny Federici – organ, glockenspiel, piano on "Born in the U.S.A."
Garry Tallent – bass
Steven Van Zandt – acoustic guitar, mandolin, harmony vocals
Max Weinberg – drums Additional musicians
Richie "La Bamba" Rosenberg – background vocals on "Cover Me" and "No Surrender"
Ruth Davis, married to Bruce Jackson, the sound engineer – background vocals on "My Hometown"
Production
Bob Clearmountain – mixing
John Davenport – assistant engineer
Jeff Hendrickson – assistant engineer
Andrea Klein – art direction, design, cover design
Bruce Lampcov – assistant engineer
Annie Leibovitz – photography
Bob Ludwig – mastering
Bill Scheniman – engineer
Toby Scott – engineer
Billy Straus – assistant engineer
Zoe Yanakis – assistant engineer
Obra maesta del hard rock progresivo. http://en.wikipedia.org (Demonios y magos) Demons and Wizards es el cuarto álbum lanzado por el británico de rock banda de Uriah Heep . El álbum ayudó a la banda rompió a la fama y también dio a la banda su rostro. Se ha convertido en un gran éxito en todo el mundo mediante la venta de 3 millones de copias.
Neocelandés Gary Thain , un entonces miembro de la banda Keef Hartley , se unió a Uriah Heep como miembro permanente a medio camino a través de otra gira americana. "Gary acaba de tener un estilo de él, que era increíble porque cada bajista en el mundo que he conocido siempre ha amado a su estilo, con esas líneas de bajo melódicas", Caja comentó más tarde. Así, el "clásico" Uriah Heep se formó y, según el biógrafo K. Blows, "todo acaba de hacer clic en su lugar."
Además, la adición de Lee Kerslake, (un ex compañero de banda de Hensley en "Dioses" y "Dedo Gordo"), en la batería solidificó la sección rítmica en una potencia de primer nivel.
El resultado de esta química recién descubierto fue la Demons and Wizards álbum, que en junio de 1972 alcanzó el número 20 en el Reino Unido y el número 23 en los EE.UU.. Aunque el título de la misma y Roger Dean manga 's tanto sugirió que la banda estaba trabajando románticamente mito medieval en sus canciones - y seguramente canciones como "Rainbow Demon" y " El Mago "(co-escrito por Mark Clarke, durante su corta estancia ) tenía vínculos temáticos con el mundo de la fantasía - enfoque más directo, hard-rock también fue evidente. Para descartar posibles insinuaciones acerca de cualquier tipo de concepto detrás de él, la nota de Hensley en la manga declaró que el álbum será "sólo una colección de nuestras canciones que teníamos un buen tiempo de grabación". Tanto los críticos y aficionados de la banda consideran el álbum como "definitivo" y "logro" que (según AllMusic) "solidificó la reputación de Uriah Heep como un maestro del heavy metal gótico-descendido", Ken Hensley ha recordado.
"La banda estaba muy concentrado en ese momento. Todos queríamos lo mismo, estaban todos dispuestos a hacer los mismos sacrificios para lograrlo y todos estábamos muy comprometidos. Era el primer álbum con esa formación y había una magia en esa combinación de personas que crearon tanta energía y entusiasmo ".
Dos singles fueron lanzados forma del álbum: "The Wizard" y "Easy Livin '", el segundo (un rockero rebelde, según Blows ", hecho a medida para extrovertido espectáculo de Byron") alcanzó el puesto N º 39 en el Billboard Hot 100.
http://www.alohacriticon.com
Este disco es una obra maestra, un LP sensacional. Desde una fascinante orientación épica, “Demons And Wizards” es una de las cumbres del subestimado grupo de rock Uriah Heep y un cautivador trabajo de enorme valor ambiental gracias a su rica imaginería, maravillosas melodías, texturas rock con influencias de Led Zeppelin, Pink Floyd o Deep Purple y emocionales líricas de calado mítico y gótico.
Es una de las mejores obras de hard rock y rock progresivo que se han grabado. Energía con fibrosa instrumentación, teclados que enfatizan penetrantes atmósferas, intensas voces. Hay excitantes cortes eléctricos y también calmos tempos de predominio acústico que jamás decaen en su exaltación sensorial y exhiben su sobresaliente capacidad melódica.
El dramatismo y la épica, con composiciones memorables a lo largo de todo el álbum y un soberbio trabajo instrumental, culmina con un final indeleble en la extensa pieza “The Paradise/The Spell”, óptima conclusión de un LP sin taras (magistral corte tras magistral corte que crece a niveles insospechados en cada escucha), un disco imprescindible y un placer para cualquier melómano de pro
http://www.allmusic.com
Este es el álbum que solidificó Uriah Heep reputación 's como un maestro del heavy metal gótico-descendido. Desde canciones de rock y afilados cortos a largos, densos, epopeyas musicalmente Demons and Wizards encuentra Uriah Heep cubre todas las bases con estilo y poder. El enfoque del álbum se encuentra con su canción principal-off, "El Mago": comienza como una simple melodía acústica, pero pronto se basa en una mecedora señorial que surge hacia atrás en una pared de sonido construido a partir de riffs gruesos guitarra, órgano de iglesia y ópera armonías vocales. Otros puntos destacados incluyen "Viajero en el tiempo", un rockero de temática fantástica basada en riffs de guitarra wah-wah de espesor, y "Círculo de Manos", una balada majestuosa con un metal Evangelio se encuentra con el pesado sienten a la misma. Demons and Wizards también producido una radio notable éxito para la banda en "Easy Livin '", un poco rockero cuya garra furiosa mezcla de guitarra fuzz y remolinos órgano hizo sentir como una actualización de los años 70 de los años 60 clásicos garaje rockeros como el Electric Prunes o Paul Revere y los Raiders . Sin embargo, lo más destacado superior del disco es el medley de clausura del "Paraíso" y "The Spell": la primera parte de la mezcla comienza a funcionar en modo de folk acústico y agrega lentamente capas de órgano y guitarra eléctrica hasta que se convierte en un poderoso, lento -tempo rockero, mientras que la segunda mitad es un rockero garra, órgano dirigido que incluye una sección media instrumentales donde las armonías al estilo coral fortificar un asesino, Pink Floyd de estilo solo de guitarra de Ken Hensley . Con todo, los demonios y los Wizards funciona tanto como un escaparate para Uriah Heep fuego instrumental 's, y una excelente muestra de sus habilidades como compositor en una variedad de estilos de rock duro. Como resultado, es considerado por muchos fans como su mejor momento y definitivamente vale la pena dar una vuelta por cualquier persona con un interés en la década de 1970 por metales pesados.
Released in May 1972
UK: Bronze ILPS 9193
Side A
1. THE WIZARD (Hensley/Clarke) 2.59
2. TRAVELLER IN TIME (Byron/Box/Kerslake) 3.26
3. EASY LIVIN' (Hensley) 2.36
4. POET'S JUSTICE (Box/Kerslake/Hensley) 4.14
5. CIRCLE OF HANDS (Hensley) 6.34
Side B
1. RAINBOW DEMON (Hensley) 4.30
2. ALL MY LIFE (Box/Byron/Kerslake) 2.46
3. PARADISE (Hensley) 5.15
4. THE SPELL (Hensley) 7.26
GARY THAIN - Bass guitar (except A1 & remastered version bonus track 'Why' MARK CLARKE - Bass guitar)
LEE KERSLAKE - Drums and Percussion
MICK BOX - Guitars
KEN HENSLEY - Keyboards, Guitars, Percussion
DAVID BYRON - Vocals (except A1 DAVID BYRON & MARK CLARKE - Vocals, B3 & B4 DAVID BYRON & KEN HENSLEY - Vocals)
All other voices by URIAH HEEP
Produced by GERRY BRON
Engineer PETER GALLEN
Assistant engineer ASHLEY HOWE
Recorded at Lansdowne Studios, London, March/April 1972
Designed and drawn by ROGER DEAN
Photography by DOMMY HAMILTON/ROGER DEAN
Este es un disco fundamental en la historia de la musica popular, considerado uno de los primeros discos conceptuales progresivos si no el primero, con la utilizacion de una gran orquesta, la utilizacion de un mellotron y la utilizacion de poesias recitadas entre las canciones.
Un disco tremendamente innovador en su dia que gracias sobre todo a la iconica cancion "Nights in White Satin " fue ademas un exito comercial.
Critica de Stepen Prog
Alejados del R&B de su primer LP, tras la salida de Denny Laine, y con la incorporación de Justin Hayward, la banda de Birmingham dió un giro enorme en su sonido y concibe esta obra. Si bien esta influenciado por el grandioso Sgt. Pepper’s de los Beatles, este LP fue pionero en muchos aspectos. Primero, es uno de los primeros albumes conceptuales de la hitoria del rock. Segundo, es el primero en crear una obra integra, fusionando la música clásica, el rock y la psicodelia. Tercero, es punto de debate, ya que creo es muy difícil determinar el origen en sí del rock progresivo, pero si este no fue el primero del género esta muy cerca, y sin dudas es una base enorme para lo que es el rock sinfónico. La música de The Moody Blues, esta muy cercana a las antiguas bandas sonoras, donde la música y narrativas cargadas de emotividad, tienen una función casi cinematográfica y descriptiva de los hechos, lo que ayudó mucho a terminar de redondear la conceptualidad del album. ¿ Y cuál es este concepto? los Moodys decidieron pintar un retrato de un día cotidiano de un hombre común, lo cual no le debe ninguna nostalgia al pasado, y no le quita ninguna posibilidad al futuro.
Además de la banda en sí, el responsable de este nuevo sonido de la banda es el señor Tony Clarke (encargado de la producción) y DECCA, ambos pusieron a disposición de los músicos las últimas técnicas de grabación y utilizaron el estudio como otra pieza fundamental para la grabación del disco a la par de la instrumentación. El credito para DECCA es indirecto, si bien puso al servicio de la banda una orquesta, el uso que querían darle era otro.
La compañía DECCA le propuso al grupo recién reformado, si podían hacer una versión de la Sinfonía número 9 en Mi menor, Opus 95 "Del Nuevo Mundo" de Antonín Dvorák. La idea de DECCA, era fundir en una sola obra la fusión entre música clásica y música popular, como nunca se había hecho antes, ya que si los Beatles (el gran chasco empresarial de DECCA) hicieron algo parecido en su "Sargento Pimienta", no se habían basado en ninguna obra de los grandes clásicos. El auténtico motivo de fondo era promocionar el nuevo sistema DDS (Deramic Sound System), tal como lo dijo Hugh Mendl.
Para este ambicioso proyecto se creó una banda de música clásica a la que se le llamó: The London Festival Orchestra, es decir, era como una banda creada para las sesiones de grabación del álbum, y ésta estaba dirigida por Peter Knignt.
De productor ejecutivo estaba el mentado Hugh Mendl, a la realización: Michael Dacre-Barclay y Tony Clarke, y de Ingeniero de grabación: Derek Varnals. La pintura de la cubierta es obra de David Anstey.
Toda la música estaba compuesta por: Redwave- Knight, a este último ya lo conocemos, pero ¿quién era Redwave? Pues era nada más y nada menos que el nombre en clave que habían dado los chicos para referirse a ellos, es decir eran los propios Moodies.
Los Moody Blues y la Orquesta jamás coincidieron en el estudio, la forma de trabajar era que cuando los MB tenían algo grabado se lo enviaban a Knight y éste junto con la orquesta hacía lo demás.
DECCA esperaba otra cosa, ya que ellos esperaban que al escucharla sonase a Dvorák, pero ni por asomo. Además habían gastado mucha pasta en su proyecto, y por ello decidieron sacarla al mercado, pero en sus mentes estaba la idea de una causa perdida.
En definitiva si Decca utilizó a un grupo que se estaba viniendo abajo, como mano de obra barata y asequible, para lanzar el nuevo DDS (poner de moda el estéreo en la música pop inglesa, ya que al contrario de USA toda la música popular se escuchaba en equipos mono), los Moodies se tomaron el trabajo muy libremente y a su manera. Así que engaño por engaño crearon esta joya del sinfónico.
Death Walks Behind You es el segundo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Atomic Rooster . Fue su primer álbum para recibir liberación EE.UU., aunque en una portada diferente. Se piensa comúnmente que es el álbum Atomic Rooster arquetípico, grabado por el 'clásico' line-up de Vincent Crane , John Du Cann y Paul Hammond . Sin duda, la crítica y comercialmente, su álbum más exitoso y, a menudo aclamado como un clásico del rock progresivo. También produjo el single "Tomorrow Night" (UK # 12), que se convirtió en una de las canciones más conocidas de la banda. La portada del álbum cuenta con la William Blake monotipo Nabucodonosor .
Este fue el primer LP publicado por Frank Sinatra. Hasta la fecha todo habían sido singles y fue Sinatra quien empezó a popularizar este formato. Es un disco lleno de melancolía y tristeza por un amor perdido (se dice que el de de Ava Gadner). Tanto la portada como el contenido del disco se considera un clásico de clásicos y la crítica reconoce este trabajo como uno de los discos más importantes de la história.
Y no hay que engañarse creyendo que para disfrutar de este disco hace falta un imposible esfuerzo de adaptación, o que esta música es un gusto adquirido, imposible para un oyente habitual de pop o de rock o de menos de sesenta años. Esta es música adulta, sin duda, y que también se puede encontrar aquí en cantidades ingentes: emoción inabarcable y delicada belleza servidas con mucha sofisticación y algo de melodramatismo saludablemente excesivo.
Sólo que aquí está mejor hecho que en ningún otro disco. Esta es la obra de un gigante y de un genio. Y aunque toda la vida hayas creído, equivocadamente otra cosa, se dice rectificar es de sabios. Este es el álbum más importante de la música popular del Siglo XX.
(texto de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir)
Post y descarga de "SHIMA-K-KAO"
La consagración de la primavera (original en francés, Le Sacre du printemps; en inglés, The Rite of Spring; en ruso, Весна священная) es un ballet en dos actos basado en la Rusia pagana (L'adoration de la terre y Le sacrifice), con música del compositor ruso Ígor Stravinski, coreografía de Vaslav Nijinsky y vestuario y escenografía de Nikolái Roerich creado para los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev. Es una de las obras más revolucionarias y trascendentales de toda la música clásica por sus innovaciones en armonía, ritmo y timbre.
Fue estrenada en París en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. Tuvo gran rechazo en su época, provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público.
El título en español se traduce de la versión original francesa: Le sacre du printemps, con el que fue estrenado. No obstante, su título en ruso es: Весна священная, que significa, literalmente: Primavera sagrada. En la partitura se agrega al título la siguiente frase: "Imágenes de la Rusia pagana". El escándalo que acompañó a esta representación fue célebre y se criticó tanto la música de Stravinski como la coreografía de Nizhinski.
La obra se divide en dos actos:
Primera parte: Adoración de la tierra Introduction - Introducción (Lento. Più mosso. Tempo I). Les augures printaniers (Danses des adolescentes) - Augurios primaverales (Danza de las adolescentes) (Tempo giusto) Jeu du rapt - Juego del rapto (Presto) Rondes printanières - Rondas primaverales (Tranquillo. Sostenuto e pesante. Vivo. Tranquillo) Jeux des cités rivales - Juego de las tribus rivales (Molto allegro) Cortège du Sage - Cortejo del sabio Adoration de la terre (Le Sage) - Adoración de la tierra (El sabio) (Lento) Danse de la terre - Danza de la tierra (Prestissimo) Segunda parte: El sacrificio Introduction - Introducción (Largo) Cercles mystérieux des adolescentes - Círculos misteriosos de las adolescentes (Andante con moto - Più mosso - Tempo I) Glorification de l'Elue - Glorificación de la elegida (Vivo) Evocation des ancêtres - Evocación de los antepasados Action rituelle des ancêtres - Acción ritual de los antepasados (Lento) Danse sacrale (L'Elue) - Danza sagrada (La elegida)
Una de las piedras angulares del rock Progresivo disco fundamental de una de las mejores bandas, imprescindible, en una verision remasterizada y con extras.
Post y descarga de:"LOS DISCOS DEL HOMBRE POLILLA"
Henri Dutilleux (Angers, 22 de enero de 1916 - París, 22 de mayo de 2013)1 fue uno de los compositores franceses más importantes de la segunda mitad del siglo XX, heredero de la tradición representada por Claude Debussy, Maurice Ravel y Albert Roussel, pero con un estilo propio distintivo. Aunque su producción es relativamente escasa, apenas treinta obras, su calidad y originalidad han logrado un gran reconocimiento internacional.
Raymond Daniel Manczarek (Chicago, Illinois, 12 de febrero de 1939 - Rosenheim, Alemania, 20 de mayo del 2013)1 fue un músico, cantante, productor, director de cine y escritor estadounidense. Fue cofundador y teclista de la banda de rock The Doors entre 1965 y 1973, y en The Doors of the 21th Century (luego Manzarek-Krieger) desde 2001.
Visto el gran interes que ha suscitado el primer post de este artista, era obligado poner su segundo trabajo "Coming From Reality" , de la misma calidad de su primer disco, espero que les guste.
TOMMY es un disco de gran importancia para la musica rock y para los Who, es la primera gran opera rock con difusion mundial .Un imprescindible de un grupo imprescindible.
Solo con escuchar la magnifica obertura que es un collage formada por melodias de otros temas de la opera, nos pone en atencion de lo que nos espera de este fantastico disco.
Tommy es el cuarto álbum de estudio de la banda británica de rock The Who y la primera de dos óperas rock completas realizadas por la formación (la segunda de ellas, Quadrophenia, sería publicada en 1973).
Publicada en 1969, la ópera fue compuesta por Pete Townshend, con dos temas de John Entwistle y una canción atribuida al baterista del grupo, Keith Moon, si bien fue escrita por Townshend.1 Una composición del artista de blues Sonny Boy Williamson II fue también incorporada a la ópera.
El álbum fue incluido en el puesto 90 de la lista de los 100 mejores álbumes de rock and roll elaborada por la cadena de televisión VH12 y aparece en el libro 1001 Albums You Must Hear Before You Die. La revista Q situó a Tommy en el puesto 9 de la lista The Music That Changed The World: Part One 1954-1969 elaborada en 2004.
Cuando Tommy fue publicado, las críticas se vieron divididas entre los que consideraban el álbum como una pieza maestra y el comienzo de un nuevo género musical, y entre aquellos que lo calificaron como "apestoso" por el tema tratado en él. Tommy fue censurado por la cadena británica BBC y por determinadas emisoras de radio de Estados Unidos. Aun así, el álbum alcanzó un gran éxito comercial, elevando a The Who a un nuevo nivel de prestigio.
Si bien Tommy es convencionalmente descrito como una ópera rock, el autor e historiador del grupo Richard Barnes señala que la definición no es estrictamente correcta en cuanto que Tommy no utiliza la clásica fórmula del decorado, actuación y escenario. Según Barnes, Tommy podría ser mejor descrita como una "cantata rock" o un "ciclo de canciones rock".
Musicalmente, el álbum original es un conjunto de arreglos de pop y rock, generalmente basados en la guitarra acústica de Townshend y construido en torno a ellos con la colaboración de los cuatro miembros del grupo mediante el uso de numerosos instrumentos como el bajo, las guitarras, el piano, el órgano, la batería, la trompeta, el cuerno y las armonías vocales. Debido a la riqueza instrumental del álbum, el sonido tiende a ser austero en comparación con trabajos posteriores del grupo como Who's Next o Quadrophenia. Muchos de los instrumentos sólo aparecen de forma esporádica, mezclados a bajos niveles auditivos en la postproducción.
"Amazing Journey" puede ser interpretada como el pivote central de Tommy en tanto que su letra es esencial para entender el tema de la ópera. Por su parte, "Go to the Mirror" supone el clímax de la ópera, y "We're Not Gonna Take It", "See Me, Feel Me" y "Listening to You" el desenlace, con un ambiguo retorno al comienzo de la historia que se ve reforzado en conciertos, donde el final de la canción enlaza con riffs de "Overture" y "Go to the Mirror" debido al largo "fade out" que tiene lugar en el álbum de estudio.
Los temas "Overture", "Pinball Wizard", "I'm Free" y "See Me, Feel Me" / "Listening to You" fueron publicados como sencillos y emitidos frecuentemente en radios.10 "Pinball Wizard" alcanzó el puesto 19 en la lista de sencillos de Billboard, mientras en el Reino Unido se alzó hasta el puesto 4.11 "See Me, Feel Me"/"Listening to You" alcanzó el puesto 12 en las listas estadounidenses,12 mientras "I'm Free" se alzó hasta el puesto 37.13 "Overture", "Christmas", "I'm Free" y "See Me Feel Me" fueron publicados en un EP a finales de 1970.14 En 1998, Tommy fue inducido en el Salón de la Fama de los Grammy.
El abuso infantil relatado en Tommy sirvió de excusa para la censura y la crítica del álbum tras su publicación.16 En ocasiones se acusó a Townshend de tomar la idea básica de Tommy del álbum conceptual de The Pretty Things S.F. Sorrow, llegando a admitir el propio Townshend que había escuchado el álbum previamente y que le había servido de inspiración. Steve Marriott también señaló que algunos elementos musicales de Tommy habían sido "tomado prestados" de la música de The Small Faces. A pesar de las numerosas y posibles influencias de otros artistas, existen precedentes a la estructura de Tommy en otros trabajos de Townshend, incluyendo "Glow Girl" (1968), "Rael" (1967) y "A Quick One, While He's Away" (1966), que constituyen extensas canciones construidas en torno al arquetipo de la ópera rock. http://es.wikipedia.org/wiki/Tommy_(%C3%A1lbum)
Tommy es la adaptación cinematográfica de la ópera rock de The Who homónima, realizada por el director inglés Ken Russell en 1975. Además de la banda integrada por Pete Townshend, John Entwistle, Roger Daltrey (que interpreta a Tommy) y Keith Moon, participan en algunos números musicales Tina Turner (La Reina del Ácido), Elton John (Pinball Wizard) y Eric Clapton (El Predicador). También actúan Jack Nicholson, Ann Margret, Oliver Reed y Robert Powell. La cinta fue presentada en el Festival de Cannes de 1975 fuera de competición.
Ken Rusell tenía ya en mente, guion y todo, hacer un film sobre las falsas religiones, las sectas, etc. Eso unido a su afición a la música clásica, le atrajo mucho la versión orquestada del disco homónimo de los Who, que según Townshend fue descisivo para que se involucrara de lleno en el proyecto, que tras algún paso por alguna major de Hollywood, cuya producción fue a parar a la Robert Spottiswood Organization-RSO, fue la verdadera primera ópera rock de la historia del cine (si contar con Hair y El Fantasma del Paraíso, más musicales de Broadway adaptadas al cine)
Desde un primer momento siempre se pensó en Roger Daltrey para el papel principal. Lou Reed se pensó como Acid Queen. Rod Stewart iba a interpretar el papel de Elton John, pero éste lo convenció de que no lo hiciera y tomó el papel él mismo. Sin embargo Pete Townshend asegura, en el especial edición 30 aniversario que era Stevie Wonder el que iba hacer de "Local Lad" CHAMP, -el personaje que compite con TOMMY-, pero su representante a última hora se lo desaconsejó.
La escena con Jack Nicholson tardó 18 horas en filmarse. Se aprovechó su estancia en el Festival de Cannes aquel mismo año para compatibilizar la ocasión con la agenda ocupada del actor norteamericano y rodar la escena en una habitación. Clapton participó en el film como agradecimiento, ya que Townshend lo había ayudado a curar su adicción a las drogas.
El film se estrenó en un innovador sonido primegenio del actual Dolby 5.1. De hecho el documental del 30 aniversario, da entender que Dolby se aprovechó de todos esos avances y perfecionó su propio sistema, sobre la base fallida que fue un denominado sonido "quintasound", y en avance al entonces en boga sonido cuadrafónico.
Mas informacion tanto del disco como de la pelicula.
Franco Leprino, un artista bastante oscuro en la escena progresiva '70 italiano, publicado sólo éste álbum, Integrati ... Disintegrati , que ha pasado más desapercibido - es una pena teniendo en cuenta que este álbum es tan desgarrador en su belleza que siento la necesidad de sugerir a cualquiera que está interesado en absoluto en prog italiano, electrónico o no.
Este álbum es de dos composiciones en forma de largos, cada uno ocupando todo un lado. "Lado A" comienza con la ligera hinchazón drones electrónicos y suave cadena repetitiva nylon juegos de guitarra que recuerda a la textura aplicada por banda prog compañero italiano Il Paese Dei Balocchi. Las repeticiones de motivos de guitarra como el zumbido electrónico en el fondo se hincha más y se hace más sinfónico hasta que se toma la mayor parte del espacio de escucha y se desvanece finalmente apagado en la distancia, lo que permite por un momento antes de piano clásico jovial densidad electrónica espacial se hace cargo. Por último, antes de terminar, piano clásico hace otra entrada al igual que varios otros instrumentos de una manera muy clásica. Este lado todo es muy dramático y hermoso de la manera más esclarecedor.
"Lado B" tiene muchos de los mismos elementos etéreos y edificante como la parte anterior, pero en general es mucho más avant-garde. Se comienza con un bucle de guitarra hermosa electrónica sencilla, pero el elemento electrónico se hace cargo de una especie casi disonante y Messiaen esque de paso (si eres un fan de Messiaen, como yo, entonces no hay razón para quejarse). Una vez más, se rompe en otro pasaje se hizo eco de guitarra sonando ligeramente con telón de fondo electrónico que es atmosférico como mirar un pasillo interminable, apenas iluminado. Con el tiempo se incrementa el drama y la pista se vuelve muy sinfónico y celestial, hermosas guitarras con cuerdas de nylon repetir el motivo maravilloso, la pista termina y la sensación resultante de la felicidad es que todo lo consume.
Definitivamente no es ambiental, pero el efecto relajante de Integrati ... Disintegrati es básicamente el mismo. La diferencia es que, para la mayoría de la gente, este álbum probablemente será a fondo más atractivo que algo así como el trabajo de Steve Roach. Los fans de la escena italiana 70 rock progresivo será muy cómodo con la tonalidad de este álbum y toda la instrumentación. Este es un álbum muy frío, pero me siento muy seguro de que cualquiera que tenga paciencia y un oído para la belleza se encuentra Integrati ... Disintegrati a ser una experiencia muy agradable. Un fuerte must-have en los años 70 una vez y hecho élite prog italiano.colorofmoney91 (progarchives)
Turandot es una ópera en tres actos con música de Giacomo Puccini y libreto en italiano de Giuseppe Adami y Renato Simoni. La ópera, inconclusa por la muerte de Puccini, fue completada por Franco Alfano y estrenada el 25 de abril de 1926 en La Scala de Milán.
Una de las partes más difíciles de la ópera se encuentra en el segundo acto y se inicia con la frase In questa reggia, cuando Turandot explica la razón de su comportamiento. Musicalmente, esta parte exige sobreagudos a cargo de la soprano que, combinados con la capacidad wagneriana que requiere el personaje, la hacen particularmente difícil. En el tercer acto se encuentra una de las arias más conocidas para tenor, Nessun dorma, que representa la victoria del amor sobre el odio, donde Calaf canta que nadie duerma para descubrir el nombre del joven héroe.
Puccini comenzó a trabajar en Turandot en marzo de 1920 después de reunirse con los libretistas Giuseppe Adami y Renato Simoni. Inició la composición en enero de 1921. En marzo de 1924, había completado la ópera hasta el dueto final. Sin embargo, no había quedado satisfecho con el libreto del dúo y no reanudó el trabajo hasta el 8 de octubre, escogiendo la cuarta versión que hizo Adami del texto. El 10 de octubre diagnostican a Puccini cáncer de garganta y muere pocas semanas después, el 29 de noviembre, dejando tan solo treinta y seis páginas con esbozos sobre el final de Turandot. Puccini también dejó instrucciones para que Riccardo Zandonai terminara la ópera, sin embargo su hijo Tonio objetó esta decisión y Franco Alfano fue comisionado para concluirla. http://es.wikipedia.org/wiki/Turandot
Turandot - Eva Marton Liú - Leona Mitchell Calaf - Plácido Domingo Timur - Paul Plishka Altoum - Hugues Cuenod Ping - Brian Schexnayder Pang - Allan Glassman Pong - Anthony Laciura
Durante muchos años, la República Popular China prohibió la representación de Turandot, porque consideró que menospreciaba a China y a los chinos. Hacia finales de 1990 se reconsideró, y en septiembre de 1998, se estrenó y estuvo durante ocho noches en la Ciudad Prohibida con opulentos escenarios y soldados del ejército como extras. Fue una producción internacional, cuya puesta en escena estuvo a cargo de Zhang Yimou, como director de escena; y Zubin Mehta, como director musical. El protagonismo dramático-vocal recayó en Giovanna Casolla, como la Princesa Turandot; Sergei Larin, como Calaf; y Barbara Hendricks y Barbara Frittoli, alternando en el papel de Liù.
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