me he decidido a hacer este blog depues de el cierre por el FBI de megaupload.para hacer de eco de esos blogs que han puesto en libre conocimiento de todos joyas de la musica que sin este medio no conoceriamos.puesto que internet tal y como lo conocemos parece que esta apunto de desaparecer y antes de la llegada de internet 2.0 se difundan estas obras que no encontraras jamas en tu tienda de discos.
Ya se acercan las fiestas navideñas y que mejor que celebrarlo con un precioso oratorio.
El Oratorio de Noël (" Oratorio de Navidad ") es una obra que surgió en 1858 del entonces de 23 años de edad, compositor francés Camille Saint-Saëns (1835-1921). Lleva el número de 12 de opus.
Camille Saint-Saëns trabajó desde 1858 en la iglesia de La Madeleine en París como organista, una posición que mantuvo durante casi 20 años . En el Adviento 1858, compuso un plazo de 12 días su Oratorio de Noël op 12 de La composición era de 15 Completado en diciembre de 1858 y se sometió a 25 12 1858 estrenó en la Madeleine. Está dedicado a su discípulo, la señora de vizcondesa de Grandval.
Instrumentación y duración
La obra ofrece un elenco de cinco solistas vocales ( soprano , mezzo-soprano , contralto , tenor y barítono ), de cuatro partes coro mixto, orquesta de cuerdas, arpa y órgano antes. Los vientos son desaparecidos.
La duración de un oratorio trabajo relativamente corto es de aproximadamente 35 a 40 minutos.
El contenido y la secuencia de los bloques
Saint-Säens en 1858
El católico Saint-Saëns introducido por su 10-pieza Oratorio de Noël textos de la Vulgata Latina y la liturgia de la Navidad juntos. En el Evangelio de Lucas proclamación cuenta el nacimiento de Cristo siga los Salmos y los Evangelios de Mateo y Juan tomado de versos. Con pocas excepciones, la composición está dominada por un estado de ánimo contemplativo y lírico.
Preludio N º 1 ( dans le style de Seb. Bach ). Preludio instrumental, la mala conducta en sus instalaciones como, Siciliano -como Pastorale (en 12/8-Takt) se refiere a los modelos barrocos, pero sin un estilo real de la copia de Johann Sebastian Bach presentó. No. 2 Récit Choeur et "Et pastores erant / altissimis Gloria Deo" . El mensaje del ángel está a cargo de un cuarteto de solistas (soprano, contralto, tenor y barítono), el Coro después de la Gloria, la primera frase simple Fugierungen . ganando complejidad No. 3 de aire ", Expectans expectavi Dominum" . Mezzo-soprano aria. No. 4 Air et Choeur "Domine, ego credidi / Qui en hunc mundum Venisti" . El aria de tenor en el intercambio con el coro de mujeres de Split. No. 5 dúo "Benedictus qui venit in nomine Domini" . Dúo para soprano y barítono, en la introducción, por primera vez fuera se produce, el arpa. No. 6 Choeur "quare fremuerunt gentes" . Un breve episodio dramático del coro ("¿Por qué las naciones") está cambiando rápidamente en una invocación solemne y tranquila de la Santísima Trinidad . Trío N º 7 "Tecum principium" . Trio (soprano, tenor y barítono solista), acompañado de las figuraciones arpa. Cuarteto n º 8 "Aleluya" . Cuarteto de solistas (soprano, mezzo-soprano, alto, barítono). No. 9 Quintetos Choeur et "consurge, Filia Sion" . La orquesta toma el tema pastoral de la primera Parte una vez más, a participar en la primera del quinteto de solistas, el coro. No. 10 Choeur "Tollite Hostias" . A corto homofónica finale coral concluye la obra festiva.
Disco que puso en el panorama internacional a la gran banda italiana.Tal fue la repercusion que al año siguiente de su publicacion sacaron una version en ingles para el mercado Americano con el titulo de "Photos of Ghosts".Para muchos el mejor disco del grupo.
Canciones :
1. Appena un Po' (7:43)
2. Generale (4:18)
3. Per un Amico (5:23)
4. Il Banchetto (8:39)
5. Geranio (8:03)
Total Time: 34:06
Se cumplen 35 años de la publicacion de Point of know Return de Kansas, uno de sus mejores discos con Leftoverture, a diferencia de este con canciones mas cortas y pegadizas ,y que contiene su cancion mas famosa su preciosa balada Dust in Wind.
Point of Know Return es el quinto álbum de estudio de la banda estadounidense de rock progresivo Kansas y fue publicado en 1977 en Estados Unidos por Kirshner Records y por la discográfica Columbia Records en Canadá.
Point of Know Return alcanzó el máximo punto comercial de Kansas, debido a que este disco incluye su mayor éxito «Dust in the Wind», el cual llegó a ser certificado sencillo de oro en los EE.UU. Este álbum también contiene el tema «Point of Know Return», el cual hoy en día aún se sigue transmitiendo en las estaciones de radio.
Versión original de 1977 Lado A
N.ºTítulo Escritor(es) Voz principalDuración
1.«Point of Know Return» Steve Walsh / Robby Steinhardt / Phil EhartSteve Walsh3:13
2.«Paradox» Steve Walsh / Kerry Livgren Steve Walsh3:50
3.«The Spider» Steve Walsh Steve Walsh2:03
4.«Portrait (He Knew)» Walsh / Livgren Steve Walsh4:38
5.«Closet Chronicles» Walsh / Livgren Steve Walsh6:32 Lado B
N.ºTítulo Escritor(es) Voz principalDuración
6.«Lightning's Hand» Walsh / LivgrenRobby Steinhardt4:24
7.«Dust in the Wind» Kerry Livgren Steve Walsh3:28
8.«Sparks of the Tempest» Walsh / LivgrenRobby Steinhardt4:18
9.«Nobody's Home» Walsh / Livgren Steve Walsh4:40
10.«Hopelessly Human» Kerry LivgrenWalsh / Steinhardt7:09
La actualidad nos vuelve a golpear con otra defuncion (el invierno se cobra su tributo)
Ravi Shankar (bengalí (Benarés, Raj Británico, 7 de abril de 1920 - San Diego, Estados Unidos, 12 de diciembre de 2012) fue un músico indio conocido mundialmente por ser un virtuoso del sitar. Se le conoce con el título honorífico de Pandit Ravi Shankar.
Discípulo de Allauddin Khan (fundador del Maihar gharana de música hindú clásica), Pandit Ravi Shankar es posiblemente el instrumentista hindú más reconocido, es conocido por ser pionero en la traída del poder de la tradición de música hindú clásica, así como por músico hindú y sus ejecutantes en general. Esto fue hecho por su asociación con The Beatles así como por su carisma personal. Su carrera musical atraviesa más de seis décadas y Shankar actualmente sostiene el Récord Guinness por la carrera internacional más larga.
Ravi Shankar era el padre de la cantante estadounidense Norah Jones y la sitarista Anoushka Shankar.
La mer, trois esquisses symphoniques pour orchestre [El mar, tres bocetos sinfónicos para orquesta], o simplemente La mer [La mar] (números de catálogo L 109 y CD 1111 ), es una obra para orquesta del compositor francés Claude Debussy (1862-1918). Comenzada en 1903 en Francia, la composición de La mer se completó en 1905 durante la estancia de Debussy en la costa del Canal de la Mancha, en Eastbourne.
Portada de la edición original de 1905 de La mer, que reproducía La gran ola de Kanagawa.
Fue estrenada por la orquesta Lamoureux, bajo la dirección de Camille Chevillard, el 15 de octubre 1905 en París. La obra no fue muy bien recibida, sobre todo a causa de una mala ejecución, pero, con el tiempo, se convirtió en una de las composiciones orquestales de Debussy más interpretadas.
La partitura está anotada para dos flautas, un flautín, dos oboes, un corno inglés, dos clarinetes, tres fagotes, un contrafagot, cuatro trompas, tres trompetas, dos cornetas, tres trombones, una tuba, timbales, percusión —platillos, lira, triángulo, xilófono y bombo—, dos arpas y cuerdas.
Una ejecución «estándar» dura alrededor de 23-24 minutos.
La mer tiene tres movimientos:
De l'aube à midi sur la mer [Desde el amanecer hasta el mediodía en el mar] - Très lent (Si menor) (~09:00).
Jeux de vagues [Juegos de olas] - Allegro (Do sostenido menor) (~06:30).
Dialogue du vent et de la mer [Diálogo del viento y el mar] - Animé et tumultueux (Do sostenido menor) (~08:00).
Por su factura, la obra se asemeja a una sinfonía, aunque no lleve el título de tal.
Este disco te sumerge en un estilo de atmosfera y sensibilidad propios y caracteristico de Sigur Ros,la utilizacion del ritmo, las cuerdas, el piano y la voz de Jon Thor, nos sumerge en un universo particular de gran belleza, un disco que se convirtio en un clasico nada mas salir aclamado por critica y publico.
Ágætis byrjun (Un buen comienzo) es el segundo disco oficial de la banda Sigur Rós, lanzado en 1999 por el sello discográfico Fatcat Records, grabado entre el verano de 1998 y la primavera de 1999 y producido por Kent Thomas. Con este álbum Sigur Rós alcanzaría la fama mundial, y la crítica lo declararía como disco imprescindible.{{http://pitchfork.com/reviews/albums/7151-agaetis-byrjun/}} La forma de grabar el disco fue bastante inusual: primero se grabo la batería y el bajo. Luego se hicieron arreglos sobre esta base, capa por capa.
Ágætis byrjun fue la primera canción en grabarse. La frase "Sí, esto fue un buen comienzo" fue bastante repetida por los miembros de la banda durante todo el proceso de grabación lo cual terminaría dando nombre al disco. El título puede tener dos significados, el evidente y otro más irónico si lo entendemos como "Algo mediocre".
De este álbum se desprenden los sencillos Svefn-g-englar, 1999 y Ný batterí, 2000. En adición a esto el tema Svenf-g-englar se incluyó en la banda sonora del film Vanilla Sky y el de "Starálfur" en la película The life Aquatic. http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81g%C3%A6tis_byrjun
Esto se esta poniendo cada vez mas dificil , paginas como Mediafire y Rapidshare y otros estan pracicamnete inutilizados con lo que cada vez hay menos links de descarga que funcionen.
Hoy os propongo algunos singles de este magnifico grupo de pop español "SOLERA" que he juntado en un archivo espero que os guste.
Hoy 3 de diciembre Ozzy Osbourne cumple 64 años, que mejor que celebrarlo con su primer disco en solitario, un gran exito de ventas de alta calidad, variado y que sento las bases del heavy de los 80.Un gran disco si señor.
Randy Rhoads y su toque clasico.
Blizzard of Ozz es el debut álbum de estudio en solitario por el británico vocalista Ozzy Osbourne , grabado en Surrey, Reino Unido y publicado el 20 de septiembre de 1980 en el Reino Unido y el 27 de marzo de 1981 en los EE.UU.. El álbum fue el primer lanzamiento de Osbourne después de su salida de Black Sabbath y marca su segundo esfuerzo para comenzar una carrera en solitario (el primero fue en 1978 con miembros de Necromandus utilizando "Blizzard of Ozz" el nombre .
Su clasico mas recordado"Crazy Train"
Blizzard of Ozz es el primero de los dos álbumes de estudio de Ozzy grabado con el guitarrista Randy Rhoads antes de la muerte de Rhoads en 1982. Blizzard of Ozz fue un éxito comercial y fue certificado platino 4x en los EE.UU., (a Osbourne hazaña volvería a alcanzar con el lanzamiento de No More Tears ). El álbum ha vendido más de 6.000.000 copias en todo el mundo, por lo que es Ozzy 's álbum más vendido hasta la fecha. En el Reino Unido, fue el primero de los cuatro álbumes de Osbourne para lograr la certificación de plata (60.000 unidades vendidas) por la Industria Fonográfica Británica, logrando en agosto de 1981. También ocupa el lugar 13 en una revista Guitar World lectores encuesta.
Dos canciones del álbum, " Crazy Train "y" Mr Crowley ", también fueron lanzados como singles en 1980. Crazy Train llegó a su máximo ese año en el número 9 en Billboard ' s Top pistas gráfico. Casi 30 años más tarde (enero de 2009), la canción alcanzó 2.00x multi-platino. "Crazy Train" se ha convertido en una de las canciones de la firma Osbourne y un elemento básico de rock clásico de radio.
Aqui un ejemplo de las fantasticas baladas de Ozzy "Good Bye to Romance"
El disco acaparia de inmediato la atención de todos y luego, un año más tarde, Ozzy lanzaría el fantástico Diary of a Madman, su mejor disco solista. Pero todo acabaría en 1982 cuando en un accidente de avioneta fallece Randy Rhoads. Ozzy nunca volvería ser el mismo luego de la muerte de Randy, aunque su esposa , la bruja llamada Sharon, lo sacara de su depresión, Osbourne tendría problemas con Daisley y Kerslake, quienes abandonarían el buque un buen tiempo después, y la entrada de gente como Jake E. Lee o Zakk Wylde no mejorarían las cosas, con discos como el desconcertante Bark at the Moon, el architrillado No More Tears y sus mediocres últimas producciones en la década pasada Ozzy se convertiría en un artista venido a menos. Pero su status de Astro del Rock se mantendría al ser recordado no solo por ser la voz de la mejor época de Black Sabbath, sino también por su grandioso primer disco que fue la piedra angular de gran parte del Heavy Metal que se haría en la década de los 80.
Sr ALGA http://aquelquenuncaesescuchado.blogspot.com.es/2011/04/ozzy-osbourne-blizzard-of-ozz-1980.html
Juan Carlos Calderón López de Arróyabe (Santander, Cantabria, 7 de julio de 1938 – Madrid, 25 de noviembre de 2012)fue un compositor, productor y arreglista español.
Tiene en su haber 3 Billboards, 5 Grammys, 5 ASCAP , 2 Premios Ondas, 3 Premios de Música de SGAE y 2 Premios Amigo.
En 1960 entró a formar parte de un cuarteto de jazz en su Cantabria natal. Tres años más tarde se trasladó a Castellón donde grabó su primer disco. En 1968 publicó Juan Carlos Calderón presenta a Juan Carlos Calderón con el que ganó el Premio Ondas. Tras este éxito se convirtió en arreglista para varias canciones de Nino Bravo, Joan Manuel Serrat y Luis Eduardo Aute. Sus siguientes colaboraciones se centraron en Nino Bravo, para quien compuso uno de sus grandes éxitos, «Cartas amarillas», además de otros temas como «Por qué», «Vuelve» y «Arena de otoño». Se encargó asimismo de realizar los arreglos musicales a melodías que alcanzarían gran éxito como «Libre» y «América».
Compaginó su trabajo de compositor con su banda de jazz. Entre 1969 y 1980 se convirtió en el productor de todos los discos del grupo Mocedades, así como compositor de muchos de sus temas en esa etapa. En 1973 les compuso «Eres tú», la cual quedó segunda clasificada en el Festival de la Canción de Eurovisión de 1973, una canción de la que se vendieron un millón de copias en Estados Unidos en español. Se considera uno de los mayores éxitos de la historia del festival, siendo votado en una gala especial en 2005 como el 11.º mejor tema de los casi mil que habían pasado en los 50 años de certamen hasta la fecha, habiendo sido versionado por decenas de cantantes. En 1975 compuso de nuevo un tema para Eurovisión, «Tú volverás», interpretado por Sergio y Estíbaliz.
Ese mismo año quedó en segunda posición como compositor del Festival de la OTI con «Amor de medianoche» interpretada por Cecilia. Puso música a varias películas como Las adolescentes (1975), La miel (1979) y La familia bien gracias (1979).
En 1977 colaboró con el cantautor Camilo Sesto en el álbum Entre amigos, única producción en que Sesto incluyó canciones que no eran de su autoría. Y estas fueron «Vístete de blanco», «Celos» y «Perdona, perdona», cooperando en varios arreglos. En 1980 Camilo Sesto incluye otra canción de Calderón en el álbum "Amaneciendo" con el tema" tres veces no".
En Venezuela, Calderón alcanzó un alto nivel de popularidad en 1982, tras grabar Marlene ese año un álbum con temas de este compositor. El disco se ubicó con éxito en ese momento en las listas, y las palabras del compositor en aquel entonces fueron: «En esta producción está lo mejor de mí en los últimos años y Marlene lo ha sabido captar de forma espectacular».
A finales de la década de 1970 y principios de los años 1980, compuso varias piezas que se convirtieron en éxitos en la carrera del cantante mexicano más popular de la época José José, con temas como «Buenos días, amor», «Ahora o nunca» y «Siempre te vas», entre otros.
Se instaló en Estados Unidos donde conoció al célebre trompetista, músico y productor californiano Herb Alpert, para quien compuso una serie de melodías que se editaron en el LP Fandango en el año 1982, entre ellas la canción que le da nombre al disco y «Route 101», que alcanzó el número uno en las listas de jazz de Estados Unidos, obteniendo además bastante éxito en Latinoamérica y Japón. Igualmente, Calderón colaboró en 1984 con la británica Sheena Easton en la coproducción del álbum Todo me recuerda a ti, incursión de Easton en la música cantada en español.
En 1985 compuso una nueva canción para Eurovisión, «La fiesta terminó» que interpretó Paloma San Basilio en Gotemburgo. En 1986 colaboró en el lanzamiento del grupo cántabro Bohemia, que representó ese año a España en el Festival OTI. Cuatro años más tarde regresó al festival consagrándose como el compositor español con mayor número de participaciones en este concurso, para escribir «Nacida para amar» que Nina llevó al sexto lugar. Esta canción sería después, con nueva letra, versionada por Luis Miguel con el título «Amante del amor».
Durante los años 1990 se encargó de producir el exitoso álbum de Nino Bravo 50 aniversario, en el que gracias a la técnica el desaparecido artista sumó su voz con la de cantantes actuales. El éxito del disco generó otro disco más del mismo cantante, Duetos 2, además de otros álbumes de duetos protagonizados por la cantante Cecilia (Desde que tú te has ido) o el mexicano José Alfredo Jiménez, contando de nuevo con Calderón a cargo de la producción.
Es reconocido también por su trabajo junto al cantante Luis Miguel. Con la canción «Me gustas tal como eres» firmada por Calderón, el mexicano ganó su primer premio Grammy. En los próximos discos de Luis Miguel, Juan Carlos trabajó como productor, hasta volver de nuevo a la faceta de compositor en el álbum Amarte es un placer (1999). Compuso las baladas más famosas del cantante: «La incondicional», «Más», «Más allá de todo», «Amante del amor», «Oro de ley», «Entrégate», «Hoy el aire huele a ti», «Cuestión de piel», «Amarte es un placer».
Produjo a la cantante Noemi Puga el disco 10 Canciones de amor y 1 nana. En este trabajo realizó nuevos arreglos para grandes éxitos de su carrera, como «Fría como el viento», «Amarte es un placer» o «Tómame o déjame», combinados con nuevas composiciones: «Naufragio», «Cuanto más», «El dueño del amor», que van de la samba o la salsa «suave», pasando por la power-ballad a los ritmos con ecos funk sofisticado en «No tengo novio».
Falleció el 25 de noviembre de 2012 en Madrid debido a una insuficiencia cardiaca. http://es.wikipedia.org/wiki/Juan_Carlos_Calder%C3%B3n
Se cumplen en esta semana los 70 años del nacimiento de Jimi Hendrix y que mejor que celebrarlo escuchando su primer disco.
Are You Experienced es el álbum debut de The Jimi Hendrix Experience , que fue lanzado en 1967. Este álbum estableció a Hendrix como uno de los artistas de rock más importantes de su época, gracias a su innovadora técnica y uso de feedback. Es frecuentemente considerado uno de los mejores y más importantes álbumes en la historia del rock. En el año 2003, la prestigiosa revista Rolling Stone situó este álbum en el número 15 de su lista Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.
Maravilloso disco de folk Ukraniano, que la cantante de formacion clasica Kvitka Cisyk dedico a su padre el famoso Concertista de Violin Volodymyr Cisyk.El disco fue galardonado con los maximos premios de la musica Ukraniana y fue nominado a los gramys.
Un ejemplo de las maravillas que os vais a encontrar en este disco.
El Canto de la Sibila (el Cant de la Sibil·la en mallorquín) es un drama litúrgico de melodía gregoriana que tuvo mucha difusión durante la Edad Media en el sur de Europa y que se interpreta en la versión catalana de forma tradicional en la Misa de Gallo en las iglesias de Mallorca (entre las que destacan las interpretadas en el Monasterio de Lluc y en la Catedral de Palma) y en Alguer, pueblo de Cerdeña.
Precisamente, Mallorca y Alguer son los dos únicos lugares en los que el canto constituye una tradición que se prolonga desde la Baja Edad Media hasta nuestros días, habiendo quedando finalmente inmune de la prohibición acaecida en el Concilio de Trento, 1545 - 1563, y a cualesquier otra vicisitud. Precisamente por ello, el día 16 de noviembre de 2010 fue declarado por la UNESCO Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.1 Previamente hubo sido declarado Bien de Interés Cultural (BIC) por el Consejo Insular de Mallorca el 13 de diciembre de 2004.2
La Sibila es una profetisa del fin del mundo de la mitología clásica que se introdujo y adaptó al cristianismo gracias a la analogía que puede establecerse entre dicha profecía y el concepto bíblico del juicio final.
El testimonio más antiguo de la Sibila cristianizada y cantada en monasterios (aún no popularizada) lo aporta un manuscrito en latín del Monasterio de San Marcial de Limoges (Francia), en pleno Imperio Carolingio. En España el documento más antiguo que se conserva es un manuscrito visigodo de la Mezquita-catedral de Córdoba del año 960, perteneciente a la liturgia mozárabe. Del siglo XI data también el manuscrito de Ripoll redactado en latín, en el ámbito de la cultura litúrgica hispánica, siendo en poblaciones de la actual Cataluña, en donde en buena medida arraigaría.
El Canto de la Sibila constituyó pues una tradición cultural cristiana que tenía como tema central el juicio final que se emitiría sobre buenos y malos, es decir, sobre los fieles al Rey y Juez Universal, cuya llegada era anunciada desde la fiesta de su nacimiento en la condición humana. Inicialmente no fue propio de la Nochebuena actual.
El primer paso en el proceso de popularización fue la incorporación del canto en latín en las catedrales, por sus presbíteros. Así fue sucediendo en territorios occidentales del sur de Europa que actualmente forman parte de España, Francia, Italia y Portugal, llegando a Mallorca con toda seguridad, como consecuencia, en la época de la Reconquista, de la Conquista de Mallorca en 1229 por y para la Corona de Aragón, regida por Jaime I de Aragón o rey En Jaume. La primera información de que se dispone del Canto de la Sibila en la catedral de Mallorca nos la proporciona la consueta de tempore, redactada también en latín entre 1360 y 1363.
Otros pasos en el camino de su popularización fueron la incorporación del canto en las Maitines de Navidad. En este sentido, a dicha consueta de tempore mallorquina se le incorporó un añadido o apéndice redactado en la segunda mitad del siglo XV, en concreto entre 1463 y 1468, que amplía la dramatización del canto de la Sibila, que podía ser interpretado en latín por presbíteros o por un niño ataviado hermosamente como una doncella con una espada, quien podía cantarla en latín o en catalán antiguo, lo cual informa del último paso para la popularización definitiva del Canto de la Sibila en Europa, que no es otro que la progresiva utilización de las lenguas romances en su interpretación.
Así, la versión más antigua con música (utilizando pentagrama) y redactada en catalán se conserva en un apéndice del cantoral del siglo XV dedicado a la Purísma Concepción, custodiado en el Centro de Estudios Teológicos de Mallorca. No obstante, en Mallorca, no fue sino hasta el año 1511, cuando un clérigo de la Catedral de Palma, Monseñor Joan Font, redactó otra consueta, de la Sagristia, ya íntegramente en el catalán allí hablado.
Con el paso del tiempo, cabe suponer que fueron o bien un excesivo folclorismo o bien el no haber conseguido marcar esencias de expresión de fe en la comunidad creyente, los motivos de la desaparición del canto en lo que hoy es Francia, Portugal, Italia, salvo en Alguer y en el resto de España (Castilla, Aragón, Galicia y Cataluña), tras su prohibición por el Concilio de Trento finalizado en 1563.
En Mallorca, la prohibición del Canto de la Sibila en aplicación del Concilio de Trento se produjo en 1572, después de que en 1570, Diego de Arnedo, obispo de Mallorca, dejara la isla sin regresar jamás a ella, para promocionar en Huesca. Sin embargo, el posterior obispo, nombrado en 1573, Joan Vich i Manrique, natural de Valencia, condescendiente con las costumbres mallorquinas, propuso a un grupo de canónigos de la isla en 1575 la interpretación de canciones devotas (básicamente villancicos) entre los nocturnos de las Maitines de Navidad así como el restablecimiento del Canto de la Sibila en la Catedral de Mallorca. Tres años, pues, había durado el lapsus en el que el Canto de la Sibila no se interpretó en la Catedral de Palma. Parece que la condición del restablecimiento fue que no se difuminara el sentido profundamente religioso de la representación; lo que demuestra que la prohibición de la jerarquía nunca constituyó un imperativo absoluto y que el pueblo no defendía sus esencias al margen del arbitrio de la mitra en sus prohibiciones. Es más, el canto sibilino se representaba también en otros momentos distintos de la Nochebuena o Nit de Nadal, por ejemplo en las vísperas de las fiestas de algunos santos. Aún hoy en alguna parroquia rural se mentiene su representación en las vísperas del día de la Epifanía (la Noche de Reyes), por ejemplo en la localidad mallorquina de Muro.
Otro episodio comparable se produjo en 1666, cuando el obispo foráneo Pedro Fernando Manjarrés y Heredia mandó que no se interpretara el Canto de la Sibila ni ninguna otra respresentación en sus iglesias, sin licencia escrita del obispado, so pena de excomunión mayor; si bien dicha norma de supervisión y control o policía nunca dio lugar a que el canto de la Sibila dejase de interpretarse. Su sucesión en 1671 por el mallorquín Bernat Lluís Cotoner supuso la vuelta de las aguas a su cauce.
El Canto de la Sibila cantado actualmente en Mallorca, parece tener como precedente directo un texto contenido al final de un libro de cofradías de 1600, que fue publicado el año 1901 por Estanislao Aguiló. Éste es uno de los textos más antiguos, si no el que más, en el que aparece el personaje del Anticristo en el Canto de la Sibila, de cuyas características formales puede señalarse que no es una pieza literaria culta o sacralizada, pues son versos, a veces cojos, sobre los que ocasionalmente metían mano quienes enseñaban a los niños a cantarlos. Por su parte, el canto sibilino del pueblo de Alguer es más completo que el de Mallorca.
El último paso evolutivo reseñable en clave de género, y que por tanto explica el actual Canto de la Sibila mallorquín, se produjo tras el Concilio Vaticano II, clausurado en 1965, cuando se admitió la presencia en el presbiterio de niñas o mujeres para hacer las veces de lectoras o monitoras, momento a partir del cual pudieron empezar a ejercer el papel conferiodo anteriormente a los niños varones.
Finalmente, cabe citar que recientemente se está intentando reinitroducir el Canto de la Sibila, a saber, en la Catedral de Barcelona (2009), Basílica de Santa María del Mar (Barcelona), así como en poblaciones de la actual Comunidad Valenciana, tales como Jaraco, Gandía y en Onteniente, en donde se interpreta en latín desde el año 2000.
http://es.wikipedia.org/wiki/Canto_de_la_Sibila
El registro que nos proponen, es el realizado por la reciente mente fallecida Montserrat Figueras y su marido Jordi Savall, dos musicos extraodinarios que nos han dado a conocer multitud de obras del repertorio antiguo.
Perl es el cuarto álbum de Janis Joplin , publicado póstumamente en Columbia Records , en enero de 1971. Fue el último álbum con su participación directa, y el único álbum Joplin grabó con la banda Tilt Boogie completa , Alcanzó el número 1 en el Billboard 200.
El álbum tiene un estilo más pulido que los álbumes que grabó con Big Brother y la Holding Company y la Kozmic Blues Band debido a la experiencia de productor Paul A. Rothchild y sus nuevos músicos que le acompañan. Rothchild era el más conocido como el productor de The Doors , y trabajó bien con Joplin, llamando a su sueño de un productor. Juntos fueron capaces de crear un álbum que mostró sus talentos vocales extraordinarias.
La banda Tilt Boogie completo fueron los músicos que la acompañaron en el viaje famoso tren de Canadá, Festival Express , en el verano de 1970, y muchas de las canciones de este álbum fueron introducidos en el escenario de conciertos en Canadá . También apareció dos veces en el show de Dick Cavett .
Las nueve canciones que ella canta en fueron aprobados personalmente y con arreglos de Joplin. Perla cuenta con el número uno golpeado " Me and Bobby McGee ", en la que interpretaba a la guitarra acústica, escrita por Kris Kristofferson y Fred Foster , también "Trust Me", de Bobby Womack , que fue escrito especialmente para Janis, Howard Tate 's "Get It While You Can", que muestra su increíble rango vocal, y dos originales "Move Over" y "Mercedes Benz", escrito por Joplin. "My Baby" y "A Woman Left Lonely" son dos temas más que son considerados entre los mejores trabajos de sus estudios.
Joplin canta en todas las pistas excepto "Buried Alive en el Blues", que sigue siendo un Full Tilt Boogie fundamental ya que murió antes de poder añadir su voz, sin embargo ella aprobaba esta grabación. Las sesiones de grabación, que se inició a principios de septiembre, terminó con la muerte prematura de Joplin 4 de octubre de 1970. Sus últimas grabaciones fueron "Mercedes Benz" y un saludo de cumpleaños para John Lennon .
La portada del álbum icónico, fotografiado por la revista Rolling Stone fotógrafo Baron Wolman , muestra Joplin recostado en su época victoriana sofá de dos plazas con una copa en la mano, observando que se trata de Janis Joplin como realmente es.
1. Move Over
2. Cry Baby
3. A Woman Left Lonely
4. Half Moon
5. Buried Alive In The Blues
6. My Baby
7. Me & Bobby McGee
8. Mercedes Benz
9. Trust Me
10. Get It While You Can
Janis Joplin - voz , guitarra en "Me and Bobby McGee"
Richard Bell - Piano
Ken Pearson - órgano
Hasta John - guitarra eléctrica
Brad Campbell - guitarra baja
Clark Pierson - tambores
Personal adicional
Bobby Womack - guitarra acústica en "Trust Me"
Bobbye Salón - conga , percusión
Phil Badella, John Cooke, Vince Mitchell - coros
Sandra Crouch - pandereta
Robert Honablue - ingeniero
Producido por
Paul A. Rothchild - Productor
Phil Macy - ingeniero
Barry Feinstein & Tom Wilkes - Fotografía y diseño de camuflaje Productions
01. Move Over - 3:43
02. Cry Baby - 3:58
03. A Woman Left Lonely 3:29
04. Half Moon - 3:53
05. Buried Alive In The Blues - 2:27
06. My Baby - 3:45
07. Me And Bobby Mcgee - 4:31
08. Mercedes Benz - 1:47
09. Trust Me 3:17
10. Get It While You Can - 3:28
Bonus tracks:
11. Happy Birthday, John (Happy Trails) - 1:11
12. Me And Bobby Mcgee (Demo Version) - 4:46
13. Move Over (Alternate Version) - 4:27
14. Cry Baby (Alternate Version) - 4:58
15. My Baby (Alternate Version) - 3:59
16. Pearl (Instrumental) - 4:27
Tracks CD 2:
01. Tell Mama (Live) - 6:47
02. Half Moon (Live) - 4:38
03. Move Over (Live) - 4:41
04. Maybe (Live) - 3:57
05. Summertime (Live) - 4:39
06. Little Girl Blue (Live) - 5:10
07. That's Rock 'n Roll (Live) - 5:03
08. Try (Just A Little Bit Harder) (Live) - 9:11
09. Kozmic Blues (Live) - 5:29
10. Piece Of My Heart (Live) - 5:21
11. Cry Baby (Live) - 6:31
12. Get It While You Can (Live) - 7:20
13. Ball And Chain (Live) - 8:15
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